Рефераты - Афоризмы - Словари
Русские, белорусские и английские сочинения
Русские и белорусские изложения
 

Колорит в живописи

Работа из раздела: «Культура и искусство»

Содержание

Введение

1. Значение колорита в живописи

1.1 Общее понятие колорита в живописи

1.2 Колорит в разные эпохи

1.3 Теория цвета

2. Что такое цветовая гармония, колорит

2.1 Понятие «цветовая гармония»

2.2 Понятие «колорит»

3. Колорит известных художников

3.1 И.И. Шишкин

3.2 Клод Моне

3.3 Микеланджело Буонаротти

3.4 Вечеллио Тициан

3.5 В.И. Суриков

4. Создание колорита в картине

4.1 Цвет

4.2 Построение колорита в картине

Заключение

Список используемой литературы

Введение

Значение цвета очень велико и значимо в жизни человека. Все, что мы видим, - это благодаря физическим особенностям цвета и глаза. Наличие цвета вызывает у людей радостные чувства. Но что же такое цвет, колорит и цветовая гармония? Этими вопросами давно занимались разные ученые. Проблемами цвета в настоящее время занимаются целый ряд наук. Разработаны множественные теории цветовых систем. Художники всегда стремились отличиться друг от друга с помощью цвета, колорита.

Проблемы цвета в живописи широко были распространены в 20-х и в 30-х годах. Однако более широко развиты эти вопросы в настоящее время.

Леонардо да Винчи насмехался над подражателями чужим манерам. Он считал, что живописец, который бессмысленно срисовывает и рисует благодаря суждениям глаза, подобен зеркалу, которое подражает предметам и не обладает их знаниями.

История зарубежной литературы по колористике имеет не один десяток названий. Существуют даже книги по отдельным направлениям колорита. Например, колорит Нидерландской живописи XV-XVII в, по Венецианскому колориту есть история колорита Тициана, существует также исследование о колорите Рембрандта.

Теорию колорита, которая так необходима, приходится создавать заново. В такой сложной и неразработанной среде невозможно избежать ошибок. Мы уверены, что теория колорита будет создана в полной мере.

В соответствии с этим в своей работе я поставила следующие цели и задачи:

Целью исследования является понимание понятия «колорит».

Задачи:

· проанализировать особенности колористических теорий;

· исследовать зависимость светотени и колорита;

· выявить основные колористические системы;

· проанализировать особенности колорита по известным произведениям живописи;

· проанализировать этапы создания колорита в картине.

Объектом исследования является колорит в живописи.

Предмет исследования - колористические системы в картинах.

Методическую базу составили: спектральные круги, теории цветовых систем, физические свойства глаза, освещение, знания древних мастеров.

Информационная база - книги по основам пейзажа, рисунка и основам колорита (Н.Н. Волков, Ю.В. Коробко, С. Алексеев, Г.Б. Смирнов, А.А Унковский, А.С. Зайцев.), интернет-источники.

1. Значение колорита в живописи

1.1 Общее понятие колорита в живописи

Живопись - это изобразительное искусство, с помощью которого художник передает зрителю свои чувства и эмоции. Живопись означает « писать живо». Главную роль в живописи играет цвет. Цвет подразделяется на две гаммы - теплую и холодную. Совокупность цвета и оттенков в картине, их взаимоотношение образовывают такое понятие как колорит. Закономерность колорита в живописи - это переработанное сознанием художника увиденная им реальность.

Изучением воздействия цвета в картине на зрителя занимались разные художники всех эпох. Русский художник Г.Б. Якулов после своих путешествий по странам мира пришел к выводу, что колорит в живописи различных народов зависит от солнечного света, а он в разных местах мира, как правило, не одинаков. Например, история «красного тумана» Моне. Французский художник Клод Моне писал Вестминстерское аббатство в Лондоне в обычный туманный день. Когда картина была выставлена, все лондонцы были возмущены, туман на картине имел багровый оттенок, когда, как всем известно, что туман серый. Но выйдя на лондонские улицы, возмущенные увидели, что туман имеет действительно красный оттенок. Объяснение этому феномену являются красные кирпичные лондонские дома, которые под воздействием солнечного света и окрасили туман в такой необычный оттенок.

В разные эпохи сложилось разное понимание систем колорита. С помощью света и тени художники передавали не только пространство, форму, объем, но и выделяли нужную деталь, которая привлекала бы зрителя.

Итак, художник должен обладать знаниями теории цвета, чтобы расположить к себе зрителя и донести до него свою правду. А о колорите нельзя говорить однозначно, так как понимание действительности у всех разное. Два художника, изображая один и тот же сюжет, не могут создать одинаковых картин, так как каждый видит по - своему, каждый выражает свои чувства и выбирает главное по своему разумению, но обе картины могут претендовать на яркую жизненность образов.

1.2 Колорит в разные эпохи

В разные эпохи образовались целые колористические системы. Самым ранним считается локальный колорит. Его особенность заключается в том, что цвет предмета обусловлен и не имеет оттенков, предметный цвет имеет свой родной окрас: небо - голубое, трава - зеленая, снег - белый и т.д. Такой цвет стали считать локальным. Этот вид колорита встречается в декоративно прикладном искусстве. Поэтому сложные цвета получили свои имена по окраске предметов: сиреневый, вишневый, оливковый.

На картине «Гармония в красном» А. Матисса основную часть занимает красная комната с узором на стенах и скатерти. Художник все контрасты приглушает близкими к красному цвета: коричневатые спинки стульев, оранжевые и багровые яблоки, что более разнообразило узор. Переход от стены к окну оконтурено золотистой рамой. За окном другое пятно, которое имеет холодную гамму. С помощью цветовых пятен и сочетания приближенных цветовых отношений создается гармоническое и упорядоченное разнообразие.

Холодные цвета имеют свойства удаляться, а теплые приближаться. Цвета могут быть материальными, глухими и плотными. Примеры таких цветов изображены на картинах М.Ф. Ларионова.

Цвета также могут быть мрачными, легкими, насыщенными, глубокими, воздушными и т.д. Эти «поэтические» цвета, благодаря разбеленности, создают ощущение воздушной среды окутывающего предмета. Предпочтение таким цветам отдавали многие мастера XX века, такие как П.В. Кузнецов, А. Марке. Также применение локального колорита очень развито в мультипликационных фильмах.

Для локального колорита главным становится обобщенность освещения, подводящее цвет предмета и самого сюжета к единому состоянию, и на картинах он создает впечатление, что сюжет словно озарен ровным рассеянным солнечным светом. А от задачи художника зависит, в какой степени выраженности будет это состояние.

Переход от локального к тональному колориту сложился в эпоху Возрождения в Нидерландах и Италии. Художников привлекала насыщенность цвета в реальной среде.

Степень светлоты цвета называется тональным колоритом. Так как объемные предметы освещены неравномерно, они состоят из нескольких цветов. Изменчивость бликов, полутонов, теней и рефлексов создают играющую поверхность предмета. Умение строить светом форму предмета называется пластикой цвета. Определенное освещение дает тону цвет. Основой тонального колорита является плотность предмета. Такой тональный колорит мы встречаем на картине художника П. Брейгеля «Охотники на снегу», он написал зимний пасмурный день. Художник хорошо передал степень освещенности, выдержал общее состояние картины, противопоставил теплые и холодные гаммы без резких переходов.

Также в эпоху возрождения тональный колорит складывается в искусстве светотени. Свет может быть спокойным, трагическим, таинственным, тревожным, радостным. Он может выражать чувства и подобрать каждому свое состояние. Свет, как было упомянуто раньше, разбивает предмет на две части - освещенная и затемненная. Особенность света вносит в картину определенный колорит.

Тональный колорит имеет две системы. Более ранняя связана с условным освещением, ее можно назвать драматический колорит. Здесь свет и тень построены на контрастах. Передний план чаще всего освещен, а объединением картины является темный фон. Метод лессировок очень связан с типом этого колорита. Основным контрастом в этом методе является отношение светлого к темному. История написания картины Н.Н. Ге «Тайная вечеря» является показателем построения такого отношения. Художник Ге долгое время не мог найти нужного решения в эскизах, он даже вылепил из глины эту сцену, но нужного решения так и не нашел. Отчаявшись, он стал искать другой сюжет. Однажды со свечкой в руках он спустился в мастерскую, чтобы найти рисунок. Поставив свечку напротив вылепленной сцены, он, обернувшись, замер. Свеча осветила сюжет так, что впереди стоящая фигура Иуды на фоне освещенной группы оказалась мрачным силуэтом, и решение было найдено. Фигура предателя показала весь драматизм этой сцены. На следующий день художник начал писать картину, и когда она была окончена, она имела большой успех.

Мастером света был Рембрандт Харменс ван Рейн. Он очень ловко обращался со светом и тенью, раскрывая при этом поэтичность образа. Обычно на его картинах освещенной частью являлись лица, руки или другие детали, все остальное он погружал в полумрак или в определенную среду. Благодаря передачи светотени он выделял душевные переживания персонажей.

Другому типу тонального колорита положили начало французские импрессионисты, такие как Э. Делакруа, К. Моне. Они и дали название этому направлению (импрессионизм). Художники основывались на сопоставлении дополнительных цветов, противоположных по спектру. Этим законом контраста пользовались Э. Мане, К. Моне, А. Сислей и другие последователи в разных странах, в числе которых были и русские живописцы И.Э. Грабарь, К.А. Коровин. Эти художники пользовались сложными оттенками, при этом располагая рядом небольшие мазочки чистых цветов. Их колорит имел кремово-золотистые света и холодноватые тени. Такое создание колорита повлияло на развитие живописи.

Колористические системы в живописи очень разнообразны, и нельзя из них выделить основные. В каждом произведении живописи играет своя эмоциональная сила, действующая на чувства зрителя, которая отвечает идее произведения. Гармония состоит из переходов, оттенков и самого настроения художника. А замысел образует колорит сильных звучаний.

1.3 Теория цвета

Теория цвета И. Ньютона. Световые излучения, вызывающие в глазу человека цветовые ощущения, может показаться, не имеют никакого порядка и системы, но это неверно. Ученые с давних лет пытаются определить закономерности следствия и причины этих излучений и ощущений. Еще в 1680 году И.Ньютон создал цветовую систему, которая состояла из цветовых секторов: красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий и фиолетовый. В ходе экспериментов со стеклами при разложении призмой солнечного луча он пришел к выводу, что солнечный луч имеет сложный состав и белый цвет, это сумма всех цветовых излучений. Наш глаз суммирует все эти цвета по определенным законам. Ньютон испытывал разные суммы этих цветов. Смешение рядом по спектру цветов дает цвет между ними. Это первое правило оптического смешения. Смешение противоположных на цветовом круге цветов, например, фиолетовый и желтый в сумме дают белый цвет. Эти цвета стали называться дополнительными. Дополнительные цвета взаимно нейтрализуются, если их смешать в равных количествах. Это второе правило оптического смешения. При смешении каждый цвет, как бы он ни был сложен, рассматривается как простой цвет - точка цветового круга. Это третье правило оптического смешения.

Следующие исследователи улучшили эту систему. Они смешали желтый цвет с оранжевым и получили промежуточный между ними желто-оранжевый, оранжевый с красным и получил оранжево - красный, красный с фиолетовым и получили красно - фиолетовый, фиолетовый с синим и получили сине - фиолетовый, синий с зеленым и получили сине - зеленый, зеленый с желтым и получили желто - зеленый. Триада Ньютона состоит из красного, синего и зеленого. Эта триада не совпадает с цветной печатью. В печати используется другая триада красок: красная, желтая и синяя. Эти триады различаются, потому что в печати идет смешение красок, которое отличается от оптического смешения. Такое смешение стали называть вычитательным смешением. Разница между ними объясняет выбор основных цветов. При смешивании красной и зеленой краски мы никогда не получим желтого цвета, а в оптическом смешении мы его получим, а при смешивании синей и оранжевой краски мы получим зеленый, а не белый цвет, а в оптическом смешении мы получим белый. Так же различаются и ахроматические смеси красок с оптическим смешением.

Теория цвета Филиппа Отто Рунге. В 1810 году немецкий живописец Филипп Отто Рунге опубликовал свою теорию цвета. Он строил свои исследования, экспериментируя с пигментами, что приближало его к живописной практике. В его триаду входили три основных цвета: красный, желтый и синий, которые при смешении образовывали зеленую, фиолетовую и оранжевую. Также к основным цветам Рунге относил белый и черный и расположил их на полюсах трехмерной модели шара. По экватору своего шара он расположил насыщенные цвета. Вверх от экватора он изменял насыщенность по светлоте, вниз от экватора изменение цветового тона путем постепенного смешивания с черным цветом. Модель Рунге стала основой последующих моделей.

Теория цвета Альберто Генри Манселла. Альберто Генри Манселл (1859-1918гг.) был преподавателем живописи. За основу своего цветового круга он взял шар Рунге и основы по Гельмгольцу: светлота, насыщенность и цветовой тон. Цветовой круг выглядит в виде спектра. Он также делится на пять основных цветов: зеленый, голубой, желтый, фиолетовый и красный, промежуточные получились в десять цветовых тонов. Изменение цвета происходит вдоль вертикальной оси перпендикулярно цветовому кругу. Сама ось имеет переход снизу вверх от черного к белому. Каждый цвет изменяется на различных уровнях и определяет градацию насыщенности. Всего градаций насыщенности в атласе Манселла восемь.

Манселл стремился к практической целенаправленности. Он считал, что два соседних цвета могут быть гармоническими. Их гармония зависит от сближенности, а не от контраста, считал, что противоположно лежащие цвета могут быть гармоничными, а гармония эта зависит от насыщенности и величине цветовых плоскостей. В атласе Манселла каждый цвет обозначается буквой и двумя цифрами. Цветовой тон - это буква, первая цифра - это его светлота, а вторая - насыщенность. При использовании этого атласа нужно иметь кусочек картона нейтрального серого цвета с вырезанными окошечками, прикладывая эти окошечки к любому месту картины, мы изолируем цвет от взаимодействия других окружающих цветов и видим его чистым. Подбирая этот цвет по атласу Манселла, можно сделать анализ по трем его характеристикам: светлоте, насыщенности и тону.

Теория цвета Е.Б.Рабкина. Советский ученый и профессор Е.Б. Рабкин в 1956 году напечатал книгу «Атлас цветов». В основу системы он положил пространственный двойной конус. На вершине конуса располагались черный и белый цвета. По окружности находились насыщенные цвета хроматического ряда. Их насыщенность убывает к центру. Вдоль оси сечение конуса дает ряды треугольников одного тона, но различные по насыщенности и светлоте. В этом атласе содержится двенадцать сечений, которые состоят из сорока пяти полей одного тона и десяти ахроматических от белого к черному. В таблице цветовое поле имеет вырез. Измеряемый цвет кладется в этот вырез и дробь, где числитель - номер горизонтального ряда, а знаменатель - номер вертикального ряда, по этим данным в справочнике находятся характеристики этого цвета.

Можно также воспользоваться другим вариантом, но цвет модифицируется только по тону и светлоте. В этом случае насыщенность опускается. Каждый цвет представляется в его модификации от черного до белого через спектральный цвет. Тон обозначается буквами, светлота - цифрами. Цифровые данные сопоставляются в соответствующий график. Этот график помогает увидеть модификацию цвета, преобладание по светлоте или по тону. Модификация цвета по светлоте была присуще раннему возрождению. Художники этого времени локальный цвет на свету разбеляли, а в тени затемняли черной краской. Такой анализ помогает конкретнее описать палитру художника. Эта методика несовершенна. Она только приблизительно фиксирует цвет. Способ использования цвета можно разложить на три группы:

1. Цвет берется в чистом виде, тон определяется через светлоту, цветовой тон и насыщенность через обозначение, и по этим обозначениям его можно точно воспроизвести.

2. Цвет модифицируется с помощью высветления и затемнения с использованием описания системы Оствальда. Цвет воспроизводится перетеканием или градуированием одновременно по всем характеристикам. Измерения в этом случае будут неточными и представляют собою сложность.

Теория цвета Рудольфа Адамса. В 1865 году был изобретен «аппарат для определения гармонических цветовых сочетаний» художником Рудольфом Адамсом, так же его называли «хроматический аккордеон». Этот аппарат состоял из двадцати четырех секторного цветового круга, каждый сектор которого делился на шесть степеней светлоты. Благодаря пяти шаблонам, которые вырезаны по соответствующим секторам, накладывая и передвигая их, образуются цветовые комбинации, которые получили название «симметричные аккорды».

Эти аккорды служат для выбора гармоничного сочетания. Основные принципы гармонии Адамса были:

1. В гармонии многообразием являются цветовые области. Если бы они были неразличимы, то единство было бы без многообразия.

2. Многообразие темного и светлого должно быть и в цвете.

3. Тона должны находиться в балансе так, чтобы ни один из них не выделялся. Это составляет цветовой ритм.

4. В многочисленных комбинациях цвета должны следовать друг за другом, как в спектре или радуге, по степени их родства.

5. Чистые краски следует применять экономно из-за их яркости и лишь в тех частях, на которых глаз в первую очередь должен быть направлен.

Теория цвета Брюкке. Немецкий профессор и физиолог Брюкке (1819-1892гг.) хоть и занимался анатомией, физиологией пищеварения, кровообращения и нервно-мышечной физиологией, он также занимался физиологией глаза. Брюкке обратил внимание на то, что надо определять точно цветовой тон. Он считал необходимым учитывать светлоту цвета.

В своей теории он выделял триады, при этом он обозначал название красок. Самая важная триада состояла из красного, желтого и синего. К этим цветам он добавлял цвета малых интервалов. Эти триады представляли собой пары взаимодополнительных цветов. Малые интервалы близкие по цветовому тону. Их цвета хорошо сочетаются и сливаются в общую «гамму». Средние интервалы схожи с малыми, но их единство менее заметно. Здесь выступают различия из-за больших интервалов, но образуется новое качество, построенное на контрасте противоположностей. Большие интервалы приближают нас к различию, построенному на взаимодополнительных цветах.

Теория цвета Вильгельма фон Бецольда. Профессор Вильгельм фон Бецольд (1837-1907гг.) занимался физикой атмосферы и изучением теории гроз. Его дядя был искусствоведом, что скорее повлияло на то, что в 1874 году он выпустил книгу «Учение о цвете с точки зрения искусства и ремесел», где он представляет цветовую систему в форме конуса. Эта теория близка с теорией Брюкке. Его теория строилась на пределах больших и малых интервалах цветового круга: «… комбинации двух тонов только тогда можно признать хорошими, когда они в двенадцатичленной таблице цветов отcтоят друг от друга, по крайней мере, на четыре тона. То есть между ними находится, по крайней мере, три тона. Наиболее «дурные» соединения происходят, когда расстояние двух тонов равняется двум интервалам, то есть, когда между обоими тонами находится один тон.». Бецольд говорил об необходимости использования цвета в декоративном искусстве. Но также он допускал исключение, говоря о разных нестандартных ситуациях.

Теория цвета Вильгельма Фридриха Оствальда. Фридрих (1853-1932гг.) был немецким химиком. Много времени он отдавал исследованиям по теории цвета. Он написал пять томов по своему учению:

1. Математическое учение о цвете.

2. Физическое учение о цвете.

3. Химическое учение о цвете.

4. Физиологическое учение о цвете.

5. Психологическое учение о цвете.

Но выпустил он лишь первые три тома. Оствальд открыл, что этапы ахроматического ряда не могут быть получены путем арифметического смешения черного и белого. То есть, если смешивать краски черную и белую в отношении 1/10, 2/10, 3/10 и т.д., равномерное увеличение светлоты не будет, а чтобы получить равномерный ахроматический ряд, нужно менять в логарифмической последовательности. В основу его системы входила шкала серых цветов и цветовой круг, который был разделен на сто ступеней (от 0 до 99). Каждый из ста цветов состоял из равностороннего треугольника, вершины которого был чистый цвет, белый и черный. «Светлоясные» цвета образовывались при смешении чистого цвета с белым, а «темноясные» цвета образовывались при смешении чистого цвета с черным. Кроме того, в треугольнике было смешение чистого цвета с разными серыми тонами. Эта шкала называлась «мутные» цвета. Цвет определяется следующим образом: на черно-белой стороне берется серая точка, от нее проводится прямая к хроматическому, все точки этой прямой обозначены в смеси хроматического с разным количеством серого. Соединенные вместе все эти треугольники образуют «цветовое тело». Сечение этого тела через вертикальную ось дает два треугольника, которые представляют собой взаимодополнительные цвета, а сечение через перпендикулярную ось образуют концентрические круги с примесью серого. Свою систему цветов Оствальд передал художникам. Он также составил атлас, содержащий 2500 цветов с указанием получения каждого из них при смешении определенных пигментов. В соответствии с его системой было сделано производство набора красок из 680 цветов и также были сделаны небольшие наборы в соответствии сокращенному варианту его шкалы. В его теории были недостатки. Он сильно математизировал принцип сочетания цветов и стремился доказать их, как нормы красоты. Его работа имела немалое значение. Его ошибка была в том, что он стремился подвести принципы цветовой гармонии в жесткие математические законы.

Понимание теорий цвета и его правильное использование - это самый важный навык художника. Верное сочетание цветов улучшает общее восприятие цветов и может вызвать разные эмоции. Художник должен уметь применять навыки по теориям, чтобы создать завораживающее произведение.

2. Что такое цветовая гармония, колорит

2.1 Понятие цветовая гармония

Понятие «гармония» является самой обширной проблемой. Признаками гармонии являются созвучие, равновесие, пропорциональность. Гармония подразделяется на гармонию форм, гармонию звуков и гармонию цвета. Под термином «Цветовая гармония» обычно подразумевают красивое соединение цветов. Она имеет свои закономерности, между отдельными пятнами картины находится близкая взаимосвязь. Каждый цвет поддерживает другой, два другие цвета вместе взаимодействуют с третьим. Изменение цвета в картине может нарушить связь и привести к нарушению гармонии. Такая закономерность является важным признаком гармонии. Цветовая гармония тесно взаимосвязана с цветовым кругом. Комбинация цветов бывает гармоничной и негармоничной. Выразительность цветов произведения образовывает комбинацию цветов.

Цветовая гармония также связана с насыщенностью цвета, с его тоном и степенью светлоты. Два цвета могут гармонировать между собой, так как они сближены по родству.

Цветовое качество гармонии зависит от площади цветового пятна. Например, чтобы приглушить большое пятно, достаточно положить рядом в несколько раз меньшее по площади контрастное и насыщенное по цветовому тону пятно.

Исследованием цветовой гармонии занимался Ф.В. Ковалев. Он создал книгу « Золотое сечение в живописи». Всю свою жизнь Ковалев посвятил работе по теории живописи.

Цветовая гармония - это взаимодействие отдельных цветов, их множеств, которые образуют одно целое и вызывают эстетическое переживание.

Признаки гармонии цвета:

1. Связь и сглаженность. Факторами могут быть ахроматичность, монохроматичность, сдвиг к цветовой гамме, тону.

2. Целостность противоположностей или контраст. Виды контраста: по насыщенности (смешанные и чистые), по яркости (светлые-темные), по цветовому тону (контрастные сочетания).

3. Мера (в гармоничной композиции нечего добавить и убрать)

4. Соотношение частей (явлений или предметов) друг с другом.

Соотношение площадей цветовых пятен:

одна часть чистого цвета - 4-5 частей смешанного;

одна часть светлого поля - 3-4 частей темного поля;

одна часть хроматического - 3-4 части ахроматического поля.

5. Уравновешенность цветов.

6. Четкое и простое восприятие.

7. Недопустимость диссонанса.

8. Безупречное сочетание цветов.

9. Рациональность и порядок.

Гармоничными сочетаниями по Гётте являются: желтый - фиолетовый, красный - зеленый, оранжевый - синий;

бесхарактерное сочетание: оранжевый - красный, красный - фиолетовый, желтый - оранжевый, фиолетовый - синий;

негармоничное сочетание: синий - зеленый, зеленый - желтый.

Гармония полагает совокупность цветов в определенном соотношении. Она зависит от качества, от площади, пропорций, насыщенности светлоты и не поддается жестким математическим законам.

2.2 Понятие колорит

Колорит не имеет однозначного понятия, так как у всех это понимание разное, но существуют множественные его описания. Этот термин вошел в художественную лексику в XVIII веке. Он произошел от латинского слова «color», которое означает «цвет, краска». Это слово употреблялось в качестве синонима к слову «цвет».

Колорит в настоящее время очень широко распространен. В понимании колорит принято говорить о теплом, холодном или о каком-то другом колорите, и при анализе художественного произведения эти особенности очень полезны, так как показывает предпочтение художника тем или иным цветам и уточняет особенности его видения. Например, можно сказать, В.И. Суриков обладал более холодным колоритом, чем И.Е. Репин, или, например, Эль Греко более холоден в колорите, чем Рембрандт.

Широкое развитие о цвете, его теории и истории в искусстве было очень развито в XIX веке. Более глубоко изучается это понятие. Не всякий человек, работающий с красками, даже если он работает красиво, может являться колористом. Это понятие становится более загадочным и тайным.

В XIX веке Гегель дал более глубокое определение колорита. По его словам, колорит зависит от употребления всех красок так, чтобы они отражались друг в друге, и так, чтобы создавалась игра отражений, и это обретает духовный характер. Гегель обращает внимание и на то, что «колоризм» имеет отражение цветовой действительности. Это понимание лежит в основе идеи воспроизведения природы. Существует различие между понятиями «колорит» и «колоризм». Обычно эти термины используются как синонимы. На различие этих терминов нам показывает Н. Дмитриева. Она считает, что колорит - это цветовое построение, которое не зависит от какой-либо эпохи, а «колоризм» носит иной оттенок.

Можно провести такую аналогию. Например, под понятием «живопись» мы понимаем произведение, которое выполнено какими-то красками на холсте или бумаге, а под словом «живописность» мы понимаем некое качество, которое свойственно не каждому произведению живописи. Так и под словом «колорит» понимается совокупность красок, а под «колоризмом» некое качество, которое свойственно не всем краскам. Колоризм возникает благодаря живописности и определяет новый этап формирования живописи. Создается новое понимание задачи живописи. От художника требовались более сложные вещи так, чтобы они передавались более осязаемо. Это было сложнее. В художественной изобразительности цвет немного стушевывается и становится не таким броским и заметным.

Существует несколько видов понятия колорита:

1. Колорит существует там, где есть созвучие цветов, которые придают произведению настроение и воздействуют на содержание.

2. Колорит рассматривается как система цветовых отношений произведения, также содержит цветовую гармонию, которая придает смысл и содержательность. 3. Колорит - это внутреннее ощущение, которое связано с действительностью, выражается в цветовом изображении. Цветовые закономерности воздействуют на подсознание зрителя и вызывают похожее внутреннее ощущение, как у автора произведения, то есть сходная эмоциональность.

4. Колорит - это не только цветовой строй картины, даже если он правильно увиден, это не просто цветовая гармония, хоть и без нее колорит не может существовать, это не просто правильно переданное освещение, которое выражает состояние природы и настроение художника - колорит - это все вышесказанное, а также единство художественного образа автора, произведения раскрытое зрителю. Основные признаки колоризма:

1. В основе колоризма большую роль играет гармония красок. Монохромность устраняет колоризм.

2. Комбинация окрашенных предметов на плоскости может представлять собой приятное сочетание и образовывать оптическое единство.

3. Важным условием также является интерпретация цвета, то есть необычная комбинация чистых цветов и система правильных отношений. Цвет и свет выступают в единой целостности.

4. Колорит - это неточное копирование цветовых отношений предметов. Художник может добавлять повышенное звучание действительных цветов.

5. Главным признаком колорита является выразительность цвета в очертаниях далей. Художник сохраняет выразительность цветов, которые находятся на разной глубине предметного пространства.

6. Колоризм находится там, где употреблены чистые и насыщенные краски. Он может даже находиться в произведениях, которые, на первый взгляд, могут показаться серыми. Колорист употребляет в живописи и сероватые оттенки, которые созданы воздушной средой, рефлексами и светом.

Таким образом, общецветовой тон у художника может возникать совершенно случайно. Поэтому колорит подразумевает не только смешивание красок, но и умение с помощью освещенности и затененности выражать чувства, привлекая внимание зрителя.

колорит картина живопись светотень

3. Колорит известных художников

3.1 И.И.Шишкин

И.И.Шишкин был знаменитым пейзажистом XIX столетия. Для него была присуще реалистичная живопись. Чаще всего Шишкин писал лето в полдень. Именно эта особенность придает картинам Шишкина золотистый колорит. Шишкин хорошо управлялся с передачей светотеней. Все его произведения дышат теплыми тонами. Даже окрестности Петербурга представлены в теплых тонах. Крупные работы Шишкина не лиричны, они более эпичны. Ценностью таких работ становится народ, благодать неба, жизни, земли.

Самым знаменитым произведением Шишкина является «Рожь». Колонна сосен простирается под бледно-голубым небом. На этой картине главными цветами являются - зеленый, золотисто-желтый и голубой, которые соответствуют главным элементам картины - деревья, небо и хлеб. Эта картина показывает нам символ благополучия.

Шишкин узко специализировался только лишь на северных лесах. Хотя художник много путешествовал - побывал в Австрии, Италии, Франции также приезжал в Крым, но природа юга не заиграла на его полотнах. На картине «Дебри» художник очень хорошо передал величие хвойного леса. На картине изображено много хвои, и стволы елей почти не пропускают солнечных лучей. Вся картина выдержана в одном зеленоватом колорите.

На картине «Лесное кладбище» Шишкин благодаря игре света и тени создает свечение в картине. На картине изображено множество упавших сухих ветвей, стволов, а рядом тянутся, как свечки, тонкие ели, которые символизируют вечное обновление природы. В правом верхнем углу картины можно увидеть игру дополнительных цветов. Художник использует противопоставление золотисто-желтого и чистого, нежно-голубого цвета. Этот же прием он использует и по центру картины, вдали. И еще в некоторых других местах картины. На картине «Утро в сосновом лесу» художник создает туманность в глубине картины, благодаря изменению насыщенности цвета. На верхней границе картины художник как бы срезает сосны, этим он подчеркивает их громадность. Такой прием Шишкин использует почти во всех своих произведениях. В левом нижнем углу картины художник создает ощущение соснового глухого леса. Темные силуэты медведей делают сцену более величественной. Туман вдали, который еще не рассеялся, указывает нам время суток, которое содержится в названии картины, - это именно утро.

На картине «Дождь в дубовом лесу» художник очень качественно отобразил атмосферное состояние дождя. Тонкое прозрачное марево, которое находится в пространстве между деревьями, объединяет землю, лес и небо в одно целое. Шишкин, благодаря контрастам тона, насыщенности и использованию дополнительных цветов, усиливает масштаб пространства картины. Передний план созвучен с задним планом, благодаря отражениям цветов в луже (на переднем плане), которые находятся на заднем плане, подчеркивая тем самым целостность картины.

3.2 Клод Моне

Моне Клод Оскар, французский живописец, один из основоположников импрессионизма. Он старался передать средствами пленэрной живописи световоздушную изменчивость среды. В своих композициях Моне создавал вибрацию воздуха и цвета при помощи дополнительных цветов спектра. Он рассчитывал на их оптическое соединение в результате зрительного восприятия. Он старался запечатлеть переходное состояние природы в разную погоду, разное время дня. Поздние его работы более декоративны. Предметные формы растворяются в сочетаниях цветовых пятен. Колорит Моне очень разнообразен как в ранние, так и в поздние его периоды. На картинах всегда присутствуют и чистые холодные цвета, и чистые теплые цвета.

На картине «Впечатление. Восходящее солнце» художник изобразил порт Гавра, который написан легкими мазками. Моне большое внимание отдавал цвету. Небо и солнце на картине художник изобразил одинаково тусклым, что передает зрителю сырость воздуха и утренние сумерки. Но насыщенность красок при написании этой картины он не ослаблял. Отражение солнца в воде и само солнце написано одним и тем же цветом. Если картину перевести в черно-белый цвет, то эти очертания исчезнут с холста.

На картине «Паруса в Аржантее» художник показал причудливые тени от плавающих облаков, игру бликов солнца на гладе реки и трепещущую зелень при помощи рельефного мазка. Художник пользуется звучным и чистым цветом, чтобы передать нужный оттенок. Около желтого и синего цвета он кладет зеленый, и на расстоянии краски смешиваются. Художник мастерски показывает красоту лодок под парусами. Вода отражает небо. Весь пейзаж обогащен мерцанием нежных оттенков. Отражение в воде художник делает с помощью горизонтальных мазков, а паруса написаны вертикально. Этот пейзаж вышел несколько декоративным, но сочетание цветов образуют нам радостное летнее настроение. Весь пейзаж отражает живую обстановку.

На картине «Этрет, закат» Моне изобразил океан живым мерцанием яркой природы. Вода и небо сливаются в единое целое. Скала на фоне неба выражена большим темным силуэтом, что показывает ее эпичный масштаб. Скала приобретает удивительный силуэт. Мазки на картине расположены горизонтально, немного идя по кругу. Природа на этой картине представлена для зрителя могущественной и великой.

На картине «Подсолнухи» художник нашел новый стиль в искусстве. Главной составляющей картины являются подсолнухи, которые опущены в вазу. Эти цветы играют всеми оттенками оранжевого, красного и желтого, но главным цветом подсолнухов остается жёлтый. Цветы располагаются в разном направлении, показывая свою сущность природы, то, как растение тянется к солнцу. Каждый цветок не похож на другой. Моне пишет блики на стенах, которые создают подсолнухи. Пропорции картины немного нарушены, ваза мала для такого большого букета, но тем не менее работа остается гениальной. Эти солнечные цветы занимают все пространство картины, и нельзя больше ничего другого сюда вписать.

Картину «Водяные лилии» художник писал по памяти. Моне увидел эти цветы на пруду рано утром. При написании картины он увеличил мелкие детали. На этой картине можно увидеть легкую рябь, заросший водорослями пруд, который окружен плакучими ивами. Как жемчуженки расположились на поверхности воды маленькие лилии, сияющие на солнце. Небо можно увидеть лишь в отражении воды. Моне очень любил писать места, где росли кувшинки, и даже создал серию картин этих мест.

3.3 Микеланджело Буонаротти

Микеланджело, итальянский живописец, архитектор, скульптор и поэт. Уже в юношеские годы Микеланджело определил свои главные черты творчества - пластическая мощь, драматизм образов, внутренняя напряженность, монументальность, обоготворение человеческой красоты. В его работах представлены мощь, разум человека, его красота в героических деяниях. Даже образ бога у него выражен как величественный старец. Он подчеркивает порыв движения рук, будто они действительно могут творить миры и создавать человеческую жизнь. Мы также замечаем в произведениях титаническую силу, мудрость и красоту. Все его произведения имеют жемчужный колорит. Цвета не особо яркие. В большей степени разбелены, что создает приглушенность и томность картины.

На картине «Ливийская сивилла» написана полуобернувшаяся девушка. Эта девушка несет духовное воплощение мудрости, красоты, вечного движения сущего. Художник, благодаря светотени, наделил девушку своеобразной грацией, пластикой, несмотря на то, что у нее довольно мощные формы. Вокруг сивиллы находятся юные херувимы. Весь колорит картины приглушен. Все цвета находятся на своих местах. На картине «Персидская сивилла» художник изобразил прорицательницу в пожилом возрасте. Она сидит, отвернувшись от зрителя, погрузив лицо в книгу. Все тона картины очень насыщены, подчеркивают добротность, богатство и прекрасное качество одеяний предсказательницы. Художник очень точно передает внутреннюю силу, характер сивиллы, пользуясь не словами, а красками.

На картине «Сотворение Адама» фигура Адама, лишенная жизненной энергии, лежит неподвижно. Силуэт Бога, окруженный ангелами, парит в небе, приближаясь к телу Адама, его рука расположена на колене. Творец вытягивает кисть руки, чтобы оживить свое творение, и почти касается пальцев Адама, при этом сохраняется небольшой промежуток между их пальцами, это придает картине напряженность и завороженность. Вся картина наполнена легкими тонами, что подчеркивает парение Бога.

Картина «Сотворение Евы» украшает потолок Сикстийской капеллы. По центру картины изображена Ева, которая выглядит беззащитно и женственно. Очень скромным жестом она показывает нам свою благодарность творцу. Тело Евы пропитано чувственностью и красотой того времени. Создатель выглядит в роли старца, который с нежностью и любовью глядит на своих детей. Он выводит Еву из ребра Адама. Творец извлекает Еву, при этом, не дотрагиваясь до нее. Он действует словом и уверенным спокойным жестом. В левом нижнем углу фрески спит утомленный Адам. Эти силуэты на картине очень выделяются благодаря заднему фону, который на несколько тонов светлее передних фигур.

В произведении «Отделение света от тьмы» Микеланджело создает неземные цвета. От этой фрески исходит энергия непередаваемой силы. В центре картины находится Саваоф, который создает свет и тьму, а затем разделяет их меду собой, создавая для мира день и ночь. Он создает сущность и материю с помощью божественной энергии и любви. Буонаротти показывает высший разум в плоти человека, символизируя этим, что люди могут отделять внутри себя свет от тьмы. Колорит этого произведения подчеркивает всю мощь и величественность этого образа.

3.4 Вечеллио Тициано

Тициан - итальянский живописец поздней эпохи Возрождения. Он воплощал в своих произведениях гуманистические идеалы. Его искусство выделяется многогранностью, широкостью действительности и раскрытием драматических конфликтов. В его произведениях образы, радостные и спокойные, отличаются яркостью чувств. Мажорный колорит построен на сопоставлении глубоких и чистых красок. Цветовая гамма в целом выглядит в золотистом тоне, построена на оттенках коричневого, блекло-зеленого, красно-розового, сине-стального. Он строит цвет и форму с помощью пластической лепки. Границы между фоном и формами размыты. Все силуэты на его картинах изображены как светлое на темном. Приглушенные краски образуются с помощью оттенков, дополняющих друг друга тонов. Они также образуют целостность между собой.

На картине «Святой Себастьян» изображен образ великомученика. Себастьян стоит в величественной позе, прикованный веревками к дереву. Свет, который падает на лицо юноши, противоречит его чувствам. Он беспокойный и неровный. Весь трагизм подчеркивает и окружающий фон. Полуобнаженный юноша освещен горящим рядом костром. Небо плавно переходит в землю. Свет, падающий на окрестности, выглядит позади святого как сильный пожар, создавая впечатление, что весь мир умирает месте с Себастьяном. Картина отражает силу и величественность человеческого духа. Эта картина построена на равновесии цветов и линий, их гармонии, которые благодаря темным оттенкам создают симфонию красок.

На картине «Флора» изображена цветущая молодая девушка идеализированной красоты, ее золотистые волосы волнами падают на ее хрупкие плечи. Ее кожа очень нежная и светлая. В правой руке у нее весенний букетик цветов. Отчего она и получила свое название «Флора» - древнеримская богиня цветов и весны. Ее рубашка является символом непорочности и чистоты. Этот образ получился возвышенным и оторванным от реальности.

На картине «Венера Урбинская» изображена нагая, юная венецианка. Эта красотка с нежным телом, золотистыми волосами и игривым взглядом выглядит немного смущенной, но она знает, что она красива. Он лежит в комнате богатого дома. В правой руке она держит цветочный букетик. У нее в ногах спит собачонка. На заднем плане художник написал двух служанок, которые занимаются своими делами. Смысл картины скрыт. Живописец благодаря натуральности демонстрирует высокую степень мастерства.

Образы, расположенные на картине «Даная», символизируют драматичность бытия. Тициан смог внести драматические переживания в свою работу, развивая в ней некую страсть. Он отлично решает цветовые задачи, справляется с тоновыми решениями, сочетает их с тенями. Он передает непосредственность цвета, мягкость объема и четкий контур. В этой картине воспевает человеческую красоту. Художник смог сопоставить ужасное с прекрасным в своей картине. С помощью этой картины художник доносит свою мысль, что хорошее всегда выше плохого. На этой картине изображено противопоставление добра и зла. Она наполнена глубоким смыслом.

На картине «Любовь земная и небесная» изображены две женщины, одна из них, которая является богиней, идеально выглядит, ее нагие формы выглядят прелестно. Ее голова повернута к одетой даме, как бы спрашивая ее. Дама сидит в задумчивости, будто прислушивается к далекому голосу. Позади этих дам находится купидон. На заднем плане можно увидеть озеро, а за ним город. Сцена протекает в сумерках, которые сконцентрированы на заднем плане. Свет, исходящий от созданий, делает картину светлой. Этой картиной восхищаются и по сей день.

3.5 В.И. Суриков

Русский художник, соединивший романтизм с живописным нововведением. В его картинах наблюдается красочная живость деталей. Колорит картин Сурикова приглушенный. Изображение образов и силуэтов чаще всего пишется на черном фоне. Краски в основном разбелены и приглушены. Чистыми локальными цветами он подчеркивал детали картины, концентрируя внимание зрителя. Все его произведения дышат живостью, насыщенностью сюжетов. Художник очень грамотно передавал нужную эмоцию картины, вызывая у зрителя в подсознании нужные ему чувства.

На картине «Взятие снежного городка» художник очень наглядно показал душу русского народа во время праздников и оживленных гуляний. На родине Сурикова существует необычная забава. Из снега создаются крепости, и в последний день Масленицы устраивают забавный штурм, взятие этого снежного городка. Художник очень хорошо отобразил динамику и оптимизм. В центре картины запечатлен миг триумфа мужчины на коне, разбившего снежную крепость. Художник очень умело изобразил уверенность всадника. По краям картины изображена толпа зрителей, которые наблюдали прорыв крепости. Суриков очень хорошо прорисовывает детали на картине. Всё действие происходит на фоне белого снега, который дает контрастность и делает акцент внимания на народ в картине.

В центре картины «Боярыня Морозова» находится сама Боярыня, одетая в богатые одеяния. Ее шуба сделана из бархата. Тяжесть ее положения показывают черты ее лица. Она окована в кандалы, а руки скованы цепью. Она выкрикивает толпе слова прощания, при этом поднимает руку вверх, показывая свою преданность вере, и народ переживает ее трагедию. Некоторые ей кланяются, а некоторые считают ее безумной. Игра контрастов придает картине драматизм. Хорошо передано ощущение природы, видно, что зимний день теплый, так как полозья саней оставляют глубокий след на рыхлом снегу. Художнику удалось передать нелегкую судьбу русского народа. На картине «Посещение царевной женского монастыря» отражен быт и уклад Руси. Картина несет печальность событий. В то время царевнам не полагалось выходить замуж. Единственный путь - уход в монастырь. На картине видно, что художник старательно писал изображение царевны. Она в белых одеждах, которые создают контраст с нарядами монахинь. Кожа царевны бледна, ее лицо напоминает лицо ребенка, а не молодой женщины. Царевну сопровождает свита. Она знает, что ее не ждет ничего радостного. На картине в противовес ее молодости и красоте написаны безрадостные и сухие лица монахинь. Художник очень хорошо передал настроение картины и подчеркнул весь трагизм царевны.

Картина «Степан Разин» наполнена до краев воздухом, светом и простором. На горизонте виднеется заря, по волнам движется ладья. Все силуэты находятся в напряженных позах, их лица сосредоточены и погружены в действие, которое дает ускорение судну. Степан Разин находится в центре картины, он погружен в думу. Поход дал большую добычу, которой радуются казаки на переднем плане. Кто-то празднует победу, кто-то устало склонил голову, кто-то застыл в раздумьях. Колорит картины очень мягкий на заднем плане, тем самым сосредотачивает внимание зрителя на самом судне и ее обитателях.

На картине «Покорение Сибири Ермаком» художник воплотил свои глубокие чувства и переживания о Родине. На произведении изображено сражение отряда Ермака с кучумовцами. Здесь четко видно, что русские побеждают. Лица казаков выражают бурю эмоций, нерушимое стремление и воля к свободе и победе. А поверженные войска татар бегут с поля боя. Пейзаж более мрачен. Осеннее небо изображено в более серых тонах, реки непрозрачные, красное пятно на полотне, на котором изображен казак, символизирует преданность Родине. Картина стала великим памятником российской истории, которая сохранила воспоминания людей об этом событии.

4. Создание колорита в картине

4.1 Цвет

Главным основополагающим в живописи является цвет. Характер цвета может выделять самое главное в произведении. С помощь цвета художник может концентрировать внимание зрителя в определенной последовательности, от главного к второстепенному.

Эмоциональный строй цвета может иметь абсолютно разную оценку в картине. Один и тот же цвет в разных предметах может оцениваться по-разному. Например, красный цвет растения и такой же красные цвет в наколенном металле действует на глаз человека по-разному и создает разное впечатление.

В теории цвета ученые выяснили, что холодные оттенки видятся более легкими, но это не всегда бывает так. Например, если посмотреть картину В.И. Сурикова «Утро стрелецкой казни», стены выглядят, наоборот, тяжелыми.

Цвет - один из методов изображения, который осуществляет свою роль при сочетании с другими средствами. По отдельности цвета не могут обладать конкретным содержанием вне предмета. Цвет воспринимается не по характеристикам, а освещение зависит от окружающих цветов, но подчинен общей тональности. Условия освещения играют очень большую роль в цвете. Один и тот же цвет при искусственном и солнечном освещении может иметь как теплый, так и холодный оттенок.

В окружающей среде при естественном освещении мы наблюдаем, что тени будут теплыми, а свет на предметах будет холодный. При искусственном освещении свет на предметах будет теплым, а тени будут холодными.

Выбор цветов в композиции зависит от задачи и замысла художника. Также он зависит от техники письма, материала. У старых мастеров в летних пейзажных работах мы можем часто наблюдать, что в тенях будет преобладание коричневых оттенков, этого не может быть в реальности, но у зрителя не возникает сомнений. В живописи существует много примеров отклонения цвета от действительно натурального цвета. Это допускается в живописи, так как художник не должен писать каждый цвет с натуры с той точностью, которую он видит.

Цвет может быть символичным (локальный цвет). Это мы можем наблюдать на русских иконах. Символический смысл несут такие цвета, как охристый, киноварный, золотисто-охристый, киноварно-красный, и звучание иконы зависит именно от этих цветов.

Итак, цвет - это средство живописи, которое участвует в создании образа картины вместе с другими средствами. Он имеет выразительность только когда совмещается с остальными цветами, и все вместе они образуют целую систему цветов, но это не колорит. Теоретическое понятие колорита еще не разработано. Цвет способен выразить содержание с помощь совокупности всех цветов, которые относятся друг к другу. Они образуют целую систему цветов, что является главной частью художественной формы.

4.2 Построение колорита в картине

Общее цветовое построение картины не должно разрушать произведение, оно её должно укреплять. Это называется политональное построение. Определяется смысл картины, создаётся её идея, определяется, что будет самым главным в картине. В своей идеи картины нужно придумать, какие эмоции хотелось бы передать и вызвать у зрителя.

Композиционное решение сначала нужно искать на небольших форматах. Когда композиция будет найдена, нужно начать поиск тонального решения, но опять же на небольших форматах. Когда тональное решение будет определено, нужно решить цветовую задачу, которая будет также выполнена на небольшом формате.

Детали картины могут быть найдены в обычной бытовой жизни. Например, пейзаж своего родного города может послужить задним фоном вашего произведения. Знакомые, друзья и родные могут стать главными героями вашей картины.

Разные световые и тональные решения нужно смотреть у древних мастеров. Анализируя их картины, делая копии знаменитых художников, можно научиться правильно подбирать тон, насыщенность и чистоту цвета.

Построение колорита в картине зависит от формирования художественного образа. Колорит не является каким-то особенным качеством живописи, которое находится в произведении, это что-то самостоятельное, которое не может зависеть от произведения. Он является художественной формой, неотделим от произведения, его содержания, предметного и сюжетного воплощения.

Заключение

В ходе работы мы выяснили, что колорит не имеет точного понятия. Многие ученые до сих пор изучают колористические системы.

Проанализировав ситуацию в области цветовых и колористических систем, мы увидели, что они имеют очень большие основы. Особенности цвета, тона, насыщенности, светлоты очень обширны. Исследование в этой области очень важны для художественной живописи.

Наукой накоплен достаточно обширный материал для исследования колористических систем.

Я не думаю, что для пространственной композиции хватит только законов перспективы. Выразительность пространства делает также цвет, тон, насыщенность и колорит всей картины. Кроме того, нужно заметить, что объем на геометрических рисунках создается не только с помощью верных построений, но и с помощью правильно найденных тональных решений. В нашем жизненном опыте мы встречаемся с разными колористическими системами. Они помогают нам ощутить различные чувства. Цвет - это главная основа нашей жизни.

Список используемой литературы

1. Н.Н. Волков. Цвет в живописи. Москва, 1905 год.

2. Ю.В. Коробко. Формирование целенаправленного восприятия живописных качеств цвета в работе с натуры студентов художественно-графического факультета. Москва, 2005 год.

3. С. Алексеев. О колорите. Москва, 1974.

4. Г.Б. Смирнов, А.А. Унковский. Рисунок и живопись пейзажа. Ленинград, 1965.

5. А.С. Зайцев. Наука о цвете и живопись. Москва, 1986

6. opisanie-kartin.com

7. smallbay.ru

8. www.reproduckiikartin.com

9. stoicka.ru

10. mikhalkevich.narod.ru

11. dshi.surgut.muzkult.ru

12. www.wm-painting.ru

13. https://ru.wikipedia.org

ref.by 2006—2019
contextus@mail.ru