Рефераты - Афоризмы - Словари
Русские, белорусские и английские сочинения
Русские и белорусские изложения
 

Американский дизайн. Новые материалы 50-60-х годов

Работа из раздела: «Культура и искусство»

/

Реферат на тему:

Американский дизайн. Новые материалы 50-60-х годов

Содержание

Введение

В послевоенной истории дизайна США оформились две тенденции, представители которых с трудом находили общий язык. Сторонники первой отстаивали концепцию чистого, некоммерческого искусства и высоких моральных требований к профессии, сознательно культивировали элитарность, подчеркивая, что моральный долг дизайнера - способствовать эстетическому развитию публики, вносить в предметный мир внешнюю упорядоченность и социальную гармонию. Подобная точка зрения сложилась не без влияния эмигрантов из Европы: Вальтера Гропиуса, Марселя Брейера, Ласло Мохой-Надя. Представители второй, более 'демократичной' позиции стремились дать публике то, что она, скорее всего, желала получить и что определялось коммерческим успехом.

В 1950-е гг. критики и теоретики присвоили работам нескольких мастеров дизайна статус произведений искусства, а остальных обвиняли в том, что они наполняют рынок безвкусными поделками. Крайне редко дизайнер мог удовлетворить и критиков, и широкую публику. Обычно законодатели высокого вкуса, такие как Нью-Йоркский музей современного искусства, признавали только элитарный дизайн. Здесь, однако, таилось противоречие. Высокие достоинства кресел Чарльза Имса из клееной фанеры или кресел Эро Сааринена несомненны, но их дороговизна не позволяла им распространиться за пределы офисов крупных компаний и богатых домов. С другой стороны, у широкой публики в 1950-е гг. огромной популярностью пользовался стиль, вызывавший возмущение у ревнителей хорошего вкуса.

С легкой руки дизайнера компании 'Дженерал моторе' Харли Эрла автостроители из Детройта позволили обычным людям приобщиться к фантастическому миру скорости и полета. Для автомобилей 50-х гг. были характерны длинные плавные линии, передние бамперы с выступающими 'клыками', опоясывающие ветровые стекла, широкие задние крылья, яркая двухцветная раскраска, хромированные ободы и множество приборов на передней панели, отделанной металлизированным пластиком. Создатели других изделий массового спроса охотно использовали идеи автомобильного дизайна. Так, панели управления посудомоечных машин стали походить на приборные доски автомобилей, причем для полноты картины дисковые таймеры делались в форме миниатюрного рулевого колеса. Даже скромный настольный радиоприемник приобрел линии мчащегося автомобиля, обрамленного, правда, не хромированной сталью, а пластиком 'под золото'. 'Ультрасовременные', то есть кричащие, формы пришлись по вкусу массовому потребителю.

В эпоху экономического бума 1950-1960-х гг. деятели промышленного Дизайна преуспевали, несмотря на критику. По мере усиления деловой активности процветала и профессия дизайнера. С 1951 по 1969 г. число членов Общества индустриальных дизайнеров Америки возросло с 99 человек до более чем 600. Причем, если в первые послевоенные годы дизайнеры работали в основном как независимые консультанты, то к 60-м гг. они, как правило, были штатными сотрудниками фирм. Благодаря этому прежнее недоверие к дизайнерам со стороны инженеров-производственников не только развеялось, но и сама эстетическая сторона дела стала nq'Tb важную роль даже в таких отраслях промышленности, как медицинское оборудование и тяжелое машиностроение, хотя раньше их производителей редко беспокоил внешний вид изделий. И хотя высказывались опасения, что включение дизайнеров в штат компаний приведет к их творческой изоляции и застою, в действительности такие факторы, как продвижение по работе, разнообразные профессиональные контакты и сотрудничество с независимыми консультантами, приглашаемыми для разработки специальных проектов, стимулировали творчество.

Независимые дизайнерские фирмы после войны расширялись еще быстрее. Нередко такие фирмы нанимали больше ста чертежников, модельщиков, инженеров, делопроизводителей, секретарш, специалистов по контактам с заказчиками и рекламе. Дизайнеры использовали свой талант не только для оформления товара, но и для его упаковки, для оформления интерьеров торговых помещений, витрин и выставок, средств общественного транспорта, для изготовления фирменных знаков, логотипов, фирменных канцелярских бланков и, что особенно важно, для разработки общей концепции имиджа корпорации-заказчика. Подобно штатным дизайнерам корпораций, они часто добавляли изделию только внешние украшения, за что им крепко доставалось от критиков, но что нравилось публике. Однако их большие возможности способствовали развитию более серьезного дизайна в самых разных направлениях.

В 1957 г. Уолтер Дорвин Тиг построил модель пассажирского самолета 'Боинг-707' в натуральную величину, чтобы определить для пассажиров нормы физического и психологического комфорта, которые до сих пор остаются неизменными в авиапромышленности. Генри Дрейфус, один из самых упорных и трудолюбивых мастеров из поколения основателей дизайнерской профессии, фактически создал науку эргономику, начав широкое изучение человека и групп людей в целях оптимизации процесса труда.

Среди дизайнеров-консультантов второго поколения, получивших специальное образование в области дизайна и начавших свою профессиональную деятельность после Второй мировой войны, чаще других высокой оценки со стороны критиков удостаивался Элиот Нойс. Он был куратором отдела дизайна Музея современного искусства, но высокую репутацию и известность Нойс завоевал благодаря приданию строгой целесообразной формы множеству компонентов компьютеров фирмы IBM, а также другим промышленным символам 60-х гг., таким как пишущая машинка '1ВМ-селектрик'.

К концу 1960-х гг. большинство дизайнеров, как независимых консультантов, так и штатных сотрудников фирм, достигли значительных успехов равно в визуальных и функциональных решениях, а сама профессия получила в американском обществе высокий статус.

Несмотря на видную роль дизайна в американской экономике, к концу 60-х - началу 70-х гг. в сообществе дизайнеров наступил перелом. Новые социальные, политические и экологические проблемы, накопившиеся к этому периоду, побудили дизайнеров к пересмотру своего профессионального положения в обществе. В результате в их творчестве появились новые направления. Преподаватель Виктор Папанек стал обучать студентов приемам недорогого 'гуманитарного дизайна' для развивающихся стран, бедных слоев населения, престарелых и инвалидов. Папанек призывал своих коллег уделять хотя бы часть времени подобной работе. Помимо этого, принятие строгого законодательства об ответственности за качество выпускаемых изделий заставило дизайнеров уделять больше внимания вопросам надежности и безопасности товаров, а не только их внешнему виду.

На противоположном полюсе мнений Бакминстер Фуллер призывал применить принципы дизайна к устройству того, что он называл 'космическим кораблем Земля', - прекрасного нового мира, в котором благодаря компьютеризации общечеловеческие интересы станут выше узких интересов отдельных стран или корпораций. Большинством идеи Фуллера были восприняты как утопические, но они оказали влияние на поколение студентов, которые позднее стали пионерами компьютерного дизайна или работали над такими проектами, как создание энергоэкономичной бытовой аппаратуры.

Борьба против авторитетов привела даже к революции в стиле: молодые дизайнеры, отвергнув превозносимые критиками принципы утонченной чистой формы, стали черпать вдохновение в самых крайних элементах массовой культуры - комиксах, архитектурных формах придорожных закусочных, оформленных хромированным металлом и пластиком, автомобилях 50-х гг. с их хвостовым 'оперением' огромных размеров.

Когда страсти 60-70-х гг. утихли, оказалось, что они способствовали значительному расширению сферы американского дизайна по сравнению с периодом 1930-1950-х гг. Неограниченный рамками двух противоположных, но довольно однобоких принципов - чистого искусства и стремления к коммерческому успеху, - промышленный дизайн в последние десятилетия принял новые, плюралистические концепции. Новые материалы с их широкими возможностями дали дизайнерам больше свободы в экспериментах с формой, цветом и текстурой материалов. Компьютерный дизайн предоставил маленьким независимым фирмам возможность генерировать идеи и Моделировать ситуации такого уровня, которые раньше были по плечу лишь крупным бюро, имевшим в штате десятки чертежников.

Думается, что дизайн является наиболее ценным вкладом США в культуру XX в. Американский образ жизни оказался созвучным этому новому виду предметно-художественного творчества. Американский ученый Д. Бурстин называл пионеров дизайна США 'социальными дизайнерами', имея в виду, что они верно понимали потребности общества и бурно развивавшейся экономики и посвятили свой талант и энергию их удовлетворению.

Автор одной из наиболее значительных работ по истории дизайна А. Пулос в своей объемной монографии 'Этика американского дизайна. История дизайна до 1940 года' рассматривает дизайн как 'дрожжи американского образа жизни'. Он проводит аналогию между становлением проектной культуры и формированием американской нации. По его мнению, это первая нация, которая была 'спроектирована', то есть появилась в результате 'обдуманных и сознательных действий людей, которые видели проблему и решали ее'.

А. Пулос считает, что уникальным вкладом страны в мировую культуру может оказаться широкая доступность промышленно производимых товаров высокого качества, потому что 'они, несмотря на свою преходящую ценность, - правдивые артефакты Соединенных Штатов, и грядущие цивилизации найдут в них квинтэссенцию нашей жизненной энергии и повседневного существования'. Пулос убежден, что на американский дизайн, как и на культуру страны в целом, большое влияние оказала этика пуритан. По его мнению, профессию дизайнера создавали люди, стремящиеся к экономии средств, любящие природу, самоуверенные, считающие, что реальный опыт работы важнее любых теорий.

Уважение и признательность, с которыми А. Пулос рассказывает о творческом пути первых мастеров американского дизайна, контрастируют с критической оценкой деятельности дизайнеров в период после окончания Второй мировой войны и последующие годы. Дизайнеры утратили, по его мнению, чувство ответственности за свои решения перед обществом. Негативную роль сыграла широко распространившаяся концепция 'планируемого устаревания' промышленной продукции. В профессиональной среде утвердилось мнение, что публике нужно давать то, что она хочет. Появилось много бессердечно имперсональных изделий, и дизайнеры были вынуждены, по сути, проектировать ненужные вещи.

С другой стороны, очевидно, что дизайнер не может эффективно работать, не создав своего имиджа. Деятельность по формированию имиджа в США всегда расценивалась как один из методов пропаганды дизайна. И такое типичное для Америки явление, как стайлинг, поначалу воспринятое негативно, сегодня считается закономерным ответом дизайнеров на социальный заказ общества, рассматривается как стремление создать имидж изделию, встроить его в определенную предметно-пространственную среду, пойти навстречу пристрастиям потребителей.

Один из учеников Р. Лоуи так пишет о его творчестве: 'Он действительно прилагал много усилий для того, чтобы его изделия были желанными. В этом смысле он предвидел постмодернистское стремление придать вещам одухотворенность и смысл. Сегодня Лоуи ценят гораздо больше, чем 20 лет назад. То, что тогда называли стайлингом, сегодня считают осмыслением изделия'. Добавим, что многие изделия, в свое время не принятые сторонниками эстетики функционализма, такие, например, как точилка карандашей в форме ракеты, выполненная Лоуи еще в 1934 г., стали частью американской художественной культуры, характерным образом своего времени.

Государства-победители, и в первую очередь США, захватили лидерство в экономике и стали с 50-х годов ведущей нацией дизайна. После второй мировой войны из США в Европу реимпортировалось 'современное движение' и распространялось американское понимание дизайна, как инструмента торговли. Американский образ жизни оказал влияние не только на музыку, изобразительное искусство, но и на повседневную жизнь европейцев. Американские фильмы и реклама принесли с собой в Европу новые идеалы красоты и моду. 'Кока-кола' и 'Лаки-страйт' стали символами нового жизнеощущения.

Американский дизайн 50-х - начала б0-х. В 1957 году стартует первый спутник, а в 1961 году советский космонавт Юрий Гагарин становится первым человеком, побывавшим космосе. Эти события не могли не сказаться на идеях дизайна.

'Кока-кола' и 'Лаки-страйт' стали символами нового жизнеощущения.

американский дизайн элитарный стайлинг

1. Элитарный дизайн. Стайлинг

Несмотря на то, что большинство дизайнеров оставались независимыми от промышленности, обеспечивавшей их работой, в послевоенной Америке сложились две тенденции формообразования в дизайне. Одни из них сознательно культивировали элитарность, подчеркивали, что моральный долг дизайнеров - способствовать эстетическому развитию публики. Другая - наоборот, совершенствовала самые обычные вещи. Даже скромный настольный радиоприемник приобрел линии мчащегося автомобиля, обрамленного, правда, не хромированной сталью, а пластиком 'под золото'. Ультрасовременные, то есть дерзкие и даже кричащие формы, пришлись по вкусу американскому потребителю.

Домашнее хозяйство было до предела насыщено электрическими кухонными приборами. Быстрое развитие телевидения и транзисторной техники обещало непрерывно растущий рынок.

Наряду с рекламой все большее значение стало придаваться дизайну упаковки.

Во время послевоенного благополучия, в котором давно мечтали дизайнеры, многие из них стремились дать публике то, что она желала получить и что определялось коммерческим успехом.

Другая часть дизайнеров, напротив, культивировала элитарность, подчеркивая, что моральный долг дизайнера - эстетическое воспитание публики.

Дизайнеры мечтали придать индустриальному веку внешнюю упорядоченность и социальную гармонию

В 50-е годы критики присвоили работам нескольких мастеров дизайна статус произведений искусства, а остальных обвиняли в том, что они наводняют рынок безвкусными поделками. Лишь немногим дизайнерам удалось удовлетворить и критиков, и широкую публику - например, Рассел Райт.

1.1 Рассел Райт

Его обеденные сервизы из керамики отличались теплыми терракотовыми тонами и скульптурными формами

Известный американский дизайнер первого поколения. С его именем связывают представление о дизайне как о новой сфере художественного творчества. Родился в Лебаноне, штат Огайо. Учился живописи в Академии искусств в Цинцинати и скульптуре в Художественной студенческой лиге в Нью-Йорке. С 1924 г. работает декоратором. В 1930 г. открыл свою фабрику металлической посуды и создал знаменитую универсальную посуду, в которой пищу готовят и прямо подают на стол.

Райт был известен как 'мистер американская современность', как дизайнер наиболее продаваемых в мире столовых сервизов. Его самым известным произведением является беспрецедентный сервиз 'Американская современность', лишенный какого-либо декора, с необычным цветовым решением (1937 г.). Всего до сегодняшнего дня продано более 350 млн. этих сервизов. Супердизайнер, маркетинговый гений, который рано начал оперировать с аудиовизуальной поддержкой продаж и таким понятием как 'стартовая цена изделия'.

Мари Райт, супруга и ближайшая коллега Рассела, демонстрирует преимущества домашней утвари, разработанной ее мужем.

Первые орудия труда человека. Первые понятия об удобстве. Возраст древнейших орудий труда, как показывают археологические раскопки, - 2,9 млн. лет. Свои первые орудия труда - ручные рубила первобытный человек изготавливал из камня, вулканического стекла, кости, дерева. Ими можно было растирать и размельчать растительную пищу, соскабливать и очищать кожуру и кору раздроблять орех. Рубило представляло из себя универсальный инструмент со множеством функций. Оно по праву считается первым изобретением человека является первым объектом, который человек стремила сделать удобным в обращении, или, говоря современны' языком, 'эргономичным'.

Теоретики дизайна считают:

дизайн и стайлинг противоположности ('внешние свойства' изделий vs функциональность)

существует Круговорот в промышленном формообразовании:

дизайн (рационализм) выходит на передний план во время упадка экономики, стайлинг (анти-рационализм) - в период ее роста.

Стайлинг внедрялся в США не только для того, чтобы сделать изделие более привлекательным, но и как маркетинговая стратегия американской индустрии, чтобы значительно ускорить цикличность смены внешнего вида продукта.

1.2 Автомобильный стиль

В 50-е годы в Америке пышно расцвел стиль, вызвавший возмущение ревнителей 'хорошего дизайна'.

После появления кадиллака 'Эльдорадо' создатели других изделий массового спроса охотно переняли новые идеи автомобильного дизайна: панели управления посудомоечных машин стали походить на приборные доски автомобилей, причем для полноты картины дисковые таймеры делались в форме миниатюрного рулевого колеса.

Как известно Америка очень в выгодном положении вышла из Второй Мировой Войны, и к середине 50-ых уже имела мощный экономический рост. Бензин тёк рекой, деньги от лизинга военной техники прибывали в страну, строились отличные дороги. От всего этого обильного разнообразия не отставала и автопромышленность.

То, что происходило с американской автомобильной промышленностью тех лет в плане дизайна, в плане технических новшеств и в плане продаж, можно с лёгкостью назвать периодом излишеств. Стильные, сверкающие автомобили с шикарными интерьерами салонов отражают тот период американского автомобилестроения. Рассмотрим его подробнее на примере автомобиля Кадиллак Эльдорадо 1958 года выпуска.

В это самое время процветал 'аэро стиль', или иначе 'плавниковый стиль' кузова. Но пройдёт лишь пару лет, и всё пойдёт на спад, и 'барокко' с его роскошью и великолепием салонов и другие ему подобные броские формы кузова потеряют эксклюзивность.

А пока что они пользуются огромной популярностью у простых американцев. Уже почти в каждой семье есть автомобиль, а то и два, и автопроизводители стали задаваться вопросом, как не сбавить темпы производства и продаж своей продукции. Тогда и возникла гениальная маркетинговая идея, что автомобиль надо менять не в тот момент, когда он состарился и сломался совсем, а автомобиль надо менять, когда он вышел из моды.

Подобная идея действует в Соединенных Штатах, и по сей день. Мало того, она перекочевала и к нам. Иначе говоря, появился термин: 'Подобрать автомобиль под свой костюм и если мода изменится, поменять и автомобиль'. За первой идеей возникла и вторая: 'У каждого совершеннолетнего члена семьи должен быть свой автомобиль'.

Все эти идеи позволили бурно развиваться гигантам автопромышленности, выпуская всё новые и новые модели каждый год.

Но, вернёмся к нашему автомобилю Кадиллак Эльдорадо 1958 года. Глядя на него сразу понимаешь, почему крылья назвали крыльями. И это не удивительно, так, как дизайнер, проектировавший кузов, был увлечен самолётами, и своё увлечение отразил во внешности Кадиллак Эльдорадо. Внешне автомобиль выглядит плоским и широким.

Что сделало его таковым? В первую очередь это решетка радиатора, которая своими размерами уходила за фары, зрительно расширяя автомобиль. Второй момент сами фары, на этой модели они были сдвоены. Это стало характерной чертой 'плавникового' стиля. Оригинальные козырьки над фарами, опять же внешне удлиняли капот Кадиллака Эльдорадо.

Сзади автомобиля по обе его стороны, словно хвост самолёта, возвышаются два великолепных крыла стабилизатора. Это уникальное в своём роде исполнение дизайнерской мысли вновь напоминает об увлечениях его проектировщика. Словно плавники акулы они говорят об агрессивности и целеустремлённости, скорости и решительности его обладателя.

Сидя за рулём ретро автомобиля Кадиллак Эльдорадо, приходит в голову мысль, что во-первых, сидишь не на водительском кресле, а на водительской перине, настолько мягко место водителя; а во-вторых, комфорт и уют, царящий в салоне создаёт ощущение основательного спокойствия, уверенности. Его техническая начинка на то время включала в себя всё необходимое. Это и автоматическая коробка перемены передач, климат-контроль, круиз-контроль, стильный радиоприёмник.

Американский ретро автомобиль Кадиллак Эльдорадо 1958 года - это двухдверный кабриолет, не имеющий, кстати, центральной стойки. Чем же обеспечивалась тогда необходимая жесткость кузова? А, собственно, самим кузовом усиленной конструкции.

Максимальную его скорость на спидометре указывает отметка в 120 миль/час (приблизительно 200 км/ч). Представляете, такой аппарат с широким и длинным кузовом, с огромными плавниками сзади, весь блестящий и сияющий несется по хайвэю, из салона доносится голос Элвиса Пресли, ощущение свободы и счастья! Что может доставит ещё большее удовольствие?

1.2.1 Харли Эрл (Earl, Harley, 1893-1969)

американский мастер автомобильного дизайна, один из родоначальников стайлинга

создание автомобиля - американской мечты

бьюик 'Ле Сабр',

понтиак 'Страто-Стрейк”

кадиллак 'Эльдорадо'

Американский дизайнер. Родился в Лос-Анджелесе в семье экипажных дел мастера. В 1900 г. семья переехала в Голливуд, а в 1908 г. компания отца Харли Эрл Кэрридж Уорк (Earl Carriage Works) была преобразована в Эрл Отомобайл Уорк (Earl Automobile Works). В 1911 г. Эрл-младший окончил Голливудскую высшую школу и начал разрабатывать автомобили для предприятия своего отца. Одновременно активно занимался спортом, но, получив серьезную травму, оставил его. С 1917 г. серьезно увлекся конструированием автомобильных кузовов, получал даже заказы от других фирм. В июле 1919 г. отцовскую компанию купил один из дилеров Кадиллак (Cadillac), и Эрл остался в ней в качестве шеф-дизайнера. Вскоре занял также должность генерального управляющего. В 1921 г. президент Кадиллака Ричард Коллинз (Richard Collins) поручил ему разработку нового дизайна спортивных седанов этой марки. Позже проектировал модели Ла Саль (La Salle). В 1926 г. приехал в Детройт. Тогда же вместе с Альфредом П. Слоаном (Alfred P. Sloan) представил свои проекты на автомобильном салоне в Париже. В 1927 г. назначен главой нового отдела Искусств и расцветок (Arts Colour Section) Дженерал Моторс (General Motors). В распоряжении Эрла находилось более 50 дизайнеров. Первой работой, не связанной с Кадиллаком, стал дизайн автомобиля Шевроле (Chevrolet) 1928 г. В 1929 г. он модернизировал Бьюики (Buick). В 1933 г. на всемирной ярмарке в Чикаго возглавляемое им дизайнерское отделение представило купе Кадиллак с двигателем V16, которое было объявлено лучшим экспонатом выставки. Эрл стал знаменитостью. В 1937 г. принял участие в создании концепт-кара Уай-Джоб (Y-Job). Автомобиль настолько опередил свое время, что сегодня его можно принять за образец 50-х, а не 30-х годов. В 1940 г. занял пост вице-президента Дженерал Моторс. После окончания второй мировой войны образовал новую дизайнерскую компанию Харли Эрл Ассошиэйтс (Harley Earl Associates), одновременно продолжая сотрудничать с Дженерал Моторс. На протяжении 50- и 60-х годов принял участие в разработке множества автомобилей. Им, в частности, было найдено оформление металлических поверхностей кузова с применением хрома.

Мода на хромированные детали кузова продержалась целое десятилетие. В знак признания заслуг Эрла в области автомобильного дизайна его имя увековечено в Зале автомобильной славы (Automotive Hall of Fame) в Детройте.

бьюик Эрла Харли “Ле Сабр”

1.2.2 Раймонд Лоуи

Его работы:

безупречная графика

тонкое чувство материала

легкость единой стилистической проработки деталей

любовь к скруглениям, обводам, чистым, открытым цветам.

Благодаря Лоуи характерные линии стримлайна в дизайне автобусов стали широко распространенными в США.

Мастер промышленного дизайна, автор логотипов (Exxon, Shell, Lucky Strike и пр.), промышленных образцов и почтовых марок.

Американский конструктор и дизайнер. Родился в Париже. Учился на литературном отделении Университета Сорбонна. Окончил Высшую техническую школу Ланно по специальности 'Электротехника'. Участвовал в сражениях Первой мировой войны, был ранен и награжден 'Военным крестом'. После окончания войны уехал в Америку, где работал в качестве дизайнера-графика в ряде крупных журналов. Был разработчиком автомобилей, жилых отсеков американских космических аппаратов ('Аполлон', 'Скайлэб', 'Шаттл') и другой космической техники. Лоуи брался за разработку самых различных вещей, и в 50-60 годы 75 % американцев так или иначе сталкивались с предметами техники, в создании которых участвовал Лоуи. Первый автомобильный кузов от Лоуи 1928 г., а в 1930 г. дизайнер запатентовал его. На протяжении 30-х годов он разрабатывал автобусы для двух крупнейших американских перевозчиков. 'Грейхаунд Корпорейшн' и 'Пенсильвания Корпорейшн', а также автомобили для 'Кадиллак', 'Остин', 'Форд', 'Ягуар', 'Лянча' и десятков других фирм. В конце 30-х годов Лоуи активно сотрудничал с фирмой 'Хапп Мотор', а после войны - со 'Студебеккер'.

Проекты Лоуи оказали огромное влияние на стиль американских автомобилей вообще. Самыми знаменитыми его работами стали 'Champion' (1942 г.), 'Starlainer' (1953 г.) и экспериментальный 'Avanti' (1962 г.). Завершающей работой маэстро в автомобильном дизайне стал 'Экспериментальный безопасный автомобиль', сконструированный, построенный и испытанный в 1972 г. В 1976 г. во время празднования 200-летия образования Соединенных Штатов Америки, он был включен в число американцев, 'оказавших наибольшее влияние на ход истории и благоустройство страны'. В 1990 г. Лоуи был включен журналом 'Лайф' в список 100 выдающихся деятелей ХХ столетия.

Основные работы:

1. Рейсовый автобус Scenicruiser, 1954

2. Питьевой автомат для кока-колы

Dole Deluxe, 1947 3. Студебеккер Commander. 1950

1.2.3 Жорж Нельсон (George Nelson, 1908-1986)

американский дизайнер, архитектор, критик и теоретик дизайна

борец с 'визуальной неграмотностью'

Проектировал осветительную арматуру, часы, мебель, упаковку, занимался выставочным дизайном.

серия настенных часов 1949 г.,

диван 'Слинг софа',

софа Marshmellow

Кресло 'Кокос' диван 'Слинг софа'

Джордж Нельсон (George Nelson) - великий американский дизайнер XX века. Джордж Гарольд Нельсон родился в 1908 году в Хартфорде, штат Коннектикут, и в 1928 году окончил Йельский университет, где он изучал архитектуру, с дипломом бакалавра искусств. В 1931 году он получил диплом бакалавра изящных искусств в Йельской школе изящных искусств. Его работы известны всему миру. Мебель, осветительные приборы, выставочный дизайн, часы - в каждой категории он был одним из лучших. Наибольшее внимание привлекли часы выполненные в стиле поп - дизайн. Поистине оригинальные, они украшают самые лучшие дома по всему миру. Часы Джорджа Нельсона представлены в великом множестве вариаций. Впервые они были изобретены абсолютно случайно. Так, Джордж Нельсон с друзьями дурачились и рисовали каракули, подшучивая над тем, что таким образом можно придумать часы. А наутро среди множества зарисовок был замечен один эскиз, который лег в основу часов Ball, пожалуй самых популярных из всей серии дизайнерских творений Джорджа Нельсона.

1.3 Новые материалы

После войны в условиях дефицита материальных ресурсов все больше внимания стали обращать на искусственные материалы. Активное использование пластмассы изменило облик многих потребительских товаров. Изначально применяемые только как заменители искусственные материалы стали выбираться целенаправленно, с выявлением их специфики и преимуществ. Плексиглас пришел на смену стеклу. Прозрачная фольга, прежде всего ПВХ, была переработана на производство водонепроницаемых резиновых сапог и зонтов. Использованный для парашютов вооруженными силами США нейлон нашел применение в чулочной индустрии. До сегодняшних дней они имеются в продаже в той же палитре цветов и отличаются особой прочностью.

Одним из новшеств было применение искусственных материалов в изготовлении стульев. К пионерам в этой области относились американские дизайнеры супруги Чарльз и Рэй Имз и Ееро Сааринен. Еще во время второй мировой войны Имз работал со стеклоармированным полиэстером для производства радаров для военно-воздушного флота. Приобретенные им знания как никогда оказались кстати, и он их перенес в производство мебели. В 1941 году он создал цельно отлитую чашу для сидения, известную под названием DAR-стул. В отличие от Womb-стульев Сааринена, стул Имза не имел обивки, так что можно отчетливо видеть стеклоармированную искусственную конструкцию.

1.3.1 Ээро Сааринен

Ээро Сааринен (1910 - 1961), родившийся в Финляндии и в возрасте 30 лет переехавший в США, признан одним из наиболее влиятельных архитекторов Америки в ХХ столетии. Его недолгая (всего 20 лет), но блестящая карьера является примером подлинной страсти к дизайну и проявлением истинного таланта.

Сын архитектора Элиэля Сааринена, Ээро продолжил дело отца, построив многочисленные корпоративные, образовательные, культурные, общественные и частные здания, в том числе такие узнаваемые как гигантская арка 'Ворота Запада' в Сент-Луисе и Терминал Всемирных Авиалиний (TWA terminal) в виде белой птицы. Его произведения разрушали технологические и эстетические границы, а мебельные разработки стул-тюльпан и кресло-чрево до сих пор востребованы и производятся компанией Knoll.

Поскольку впервые Сааринен привлек к себе внимание именно как дизайнер мебели, нельзя не упомянуть его самые культовые разработки: кресло-кузнечик, кресло-чрево и 'семейство тюльпановых'.

1. Кресло 'Кузнечик' (Grasshopper Chair), 1946 г.

Изящное, но невероятно крепкое кресло кажется довольно хрупким на вид. Его ножки и подлокотники образуют непрерывную изогнутую линию и очень напоминают лапки кузнечика. Предназначенное для отдыха, это кресло удивительно крепкое и устойчивое, с хорошей опорой для спины. Grasshopper chair стала первой разработкой Сааринена для американской мебельной компании Knoll. Мануфактура выпускала это кресло в течение девятнадцати лет, и прекратила его производство в 1965 году.

2. Кресло 'Чрево' (Womb Chair), 1948 г.

Это кресло, как и многие другие разработки Сааринена, иллюстрирует экспериментаторский дух дизайнера и готовность работать с самыми новыми и революционными материалами. Глава компании Knoll, Флоренс Кнолл, попросила Сааринена создать 'кресло, похожее на корзину, полную подушек, чтобы в нем хотелось свернуться калачиком'. Дизайнер разработал твердую основу из стекловолокна (нового на тот момент материала), которая обволакивала сидящего, создавая чувство безопасности и защищенности, словно в материнском чреве.

3. Стол, стул и кресло 'Тюльпан' (Tulip), 1953-58 г. г.

Сложно поверить, что эту коллекцию из белого пластика на алюминиевой основе Сааринен создал 60 лет назад. Может быть потому, что до сих пор стулья, кресла и столы из серии Tulip украшают современные интерьеры во всем мире. 'Мне не нравится огромное количество ног у столов и стульев, которые создают в интерьере настоящие запутанные дебри', - сказал Ээро

Сааринен и создал стул всего на одной ноге! В итоге скульптурный революционный объект мебели попал на обложку журнала Time в 1956 году и завоевал множество дизайнерских наград.

Вместе с Чарльзом Имзом побеждает на конкурсе Музея современного искусства 'Органический дизайн домашней фурнитуры' (Нью-Йорк, 1940) с революционным проектом мебели из гнутой фанеры.

Эти прогрессивные принципы получили дальнейшее развитие в творчестве Сааринена в мебельных проектах для фирмы “Knoll” -

“Вомб N70' (1947-48),

'мебели для бюро' (1951),

'Пьедестал' (1955-56),

1.3.2 Чарлз Имз (Charles Eames, 1907-1978) Рэй Имз (Ray Eames, 1912-1988)

Чарлз Имз - известный американский дизайнер, архитектор, педагог. Рэй Имз - жена Чарлза, скульптор, большинство проектов Имза создано с ее участием.

Многие из образцов мебели Имза стали классикой XX века.

Наверное, не было на Земле такого человека, который не задумывался бы о том, что он оставит после себя, что передаст будущим поколениям. К сожалению, история наглядно демонстрирует нам, что у большинства людей все мечты о переменах не идут дальше тяжёлых вздохов и отвлечённых мечтаний. Но есть и другие люди - 'локомотивы' человечества, которые поднимают идею об изменении мира к лучшему на свои знамёна и совершают настоящую революцию.

К таким 'революционерам' можно смело отнести семейный творческий дуэт Чарльза и Рэй Имз, которые дали беспрецедентный импульс развитию промышленного дизайна в середине XX века.

Чарльз Имз учился в университете Вашингтона в Сент-Луисе у знаменитого архитектора Фрэнка Ллойда Райта, основоположника 'органической'архитектуры, но вынужден был покинуть университет из-за частых конфликтов с преподавателями и руководством, вызванных 'чрезмерной прогрессивностью взглядов на дизайн и архитектуру'. В 1938 году по приглашению выдающегося дизайнера Элиэля Сааринена Чарльз переезжает в Мичиган заканчивать своё образование и работать в университете Крэнбрука. В это время он и встречается с талантливой художницей-абстракционисткой Рэй Кайзер.34-летний Чарльз и 29-лятняя Рэй поженились в 1941, их объединяли прогрессивные идеи, безграничная амбициозность и желание изменить мир к лучшему.

В это нелёгкое для всего мира время Второй мировой войны Имзы экспериментируют с фанерой и создают специальную шину для восстановления после переломов, сделанную на основе гипсового слепка ноги самого Чарльза. Руководство военно-морских сил США заказывает партию в 5000 экземпляров - так у семейной пары появляются первые серьёзные средства для творчества и комфортной жизни.

Наблюдая последствия мировой войны, Имзы стремятся создать недорогую мебель из доступных материалов, которая была бы востребована среди простых людей. Так, в 1946 появился Eames Lounge chair, сделанный из формованной фанеры. Его особенностью также была отгибающаяся назад спинка, таким образом, Имзы стремились донести до человечества, что война окончена, пора бы сесть и расслабиться:

Настоящим прорывом в 1950 году стал выпуск стула DSR и ряда его модификаций. Новаторством было использование стекловолокна и пластика. Огромную популярность данный стул получил и благодаря тому, что Имзы смогли уловить и предвосхитить новое веяние в моде, не забыв при этом о комфорте и демократичной стоимости. Действительно, насколько современным смотрится DSR! И не скажешь, что его создали более 60 лет назад:

В 1941 году он создал цельно отлитую чашу дли сидения, известную под названием DAR-стул.

Наступили 50-е, время комфорта и спокойствия, появившейся на горизонте 'американской мечты', ощущение приближения которой портил только угрожающий ракетами Никита Хрущёв. Это улучшение в жизни, ветер спокойствия отразился и в работах Имзов. В 1956 году дизайнеры выпускают комфортабельное кресло с подставкой для ног - оттоманкой. Eames Lounge and Ottoman - первый предмет мебели в коллекции Имзов, созданный не для широкого потребителя. И по сей день это выдающееся кресло является иконой комфорта и благополучия:

Предвосхищая экономический бум 60-х и бурное развитие офисных помещений, Имзы уже в 1958 году представляют уникальную серию Eames Aluminium Group, которая действительно достойна называться прародительницей современных офисных кресел:

Вилли Вин,'Airstream”автоприцеп для жилья.

Возрожденный после войны (1952) глянцевый серебристый футуристический автоприцеп 'Airstream' пользовался большим спросом, укрепив дух свободы путешествий и став символом американской мечты.

1.4 Развитие профессии 'дизайнер'. Большие заказы.

В эпоху экономического бума 50-60-х годов по мере усиления деловой активности процветала и профессия дизайнера. С 1951 по 1969 год число членов Общества индустриальных дизайнеров Америки возросло с 99 человек до более шестисот. Причем если в первые послевоенные годы дизайнеры работали в основном как независимые консультанты, то к 60-м они, как правило, были уже штатными сотрудниками фирм. Существовавшее ранее определенное недоверие к дизайнерам со стороны инженеров-производственников не только развеялось, но даже в таких отраслях, как медицинское оборудование и тяжелое машиностроение, где раньше производителей мало беспокоил внешний вид выпускаемой продукции, вопросы эстетики изделий стали играть существенную роль. Опасения, что включение дизайнеров в штат компаний приведет к их изоляции от профессионального цеха и застою, не оправдались. Напротив, разнообразные профессиональные контакты и сотрудничество с независимыми дизайнерами-консультантами, приглашаемыми для разработки специальных проектов, стимулировали творчество. Независимые дизайнерские фирмы расширялись еще быстрее. Нанимая нередко больше сотни чертежников, модельщиков, инженеров, делопроизводителей, секретарш, менеджеров, специалистов по рекламе, дизайнеры занимались не только формообразованием изделий, но и дизайном их упаковки, оформлением интерьеров торговых залов, витрин и выставок, дизайном средств общественного транспорта, изготовлением фирменных знаков, логотипов, фирменных канцелярских бланков и, что особенно важно, разработкой общей концепции 'имиджа' данной корпорации.

Крупные независимые дизайнерские фирмы, имея возможность выполнять сложные комплексные разработки, способствовали развитию серьезного дизайна в различных направлениях. Широко известны экспериментальные работы Уолтера Дооруина Тига для компании 'Боинг', когда он после выявления норм физического и психологического комфорта пассажиров построил модель пассажирского салона самолета 'Боинг-707'. Составленные им нормативы до сих пор остаются неизменными в авиационной промышленности США. А Генри Дрейфус, начав широкое изучение человека и групп людей в целях оптимизации процесса труда, дал мощный толчок в развитии науки эргономики.

Среди дизайнеров-консультантов второго поколения, получивших специальное образование в области дизайна и начавших свою профессиональную деятельность после второй мировой войны, чаще других высокой оценки со стороны критиков удостаивался Элиот Нойс благодаря дизайну таких 'промышленных символов 60-х годов', как компьютеры 'IBM', пишущая машинка 'IBM Selectric', бензоколонки 'Mobil'.

1.5 Поп арт

В конце 50-х в обстановке процветающего американского 'общества потребления' возникает поп-арт. Считается что первое произведение в стиле поп-арт принадлежит кисти художника Ричарда Гамельтона 'Что же делает наш дом таким привлекательным?' Оно было показано на выставке 'This is tomorrow' в небольшой лондонской галерее ' Уаэтчепл' в 1965 году. В нем мелькнуло слово 'поп' (англ. - сухо звук хлопка, удару, вылетевшей из бутылки пробки), давшее имя будущему художественному течению. Хотя большинство критиков считают, что идет речь о словосочетании 'популярное искусство'. Гамельтон считал, что поп-арт обращен к массовой культуре, преимущественно к молодежной публике и что ему присущи эфемерность и быстротечность, виртуозное мастерство превращения. Сторонники поп-арта стремились создать антиискусство, выведя на сцену цивилизацию потребления, ординатные предметы, которые фабрикуются миллионы. Они черпали вдохновения из так называемого 'низменного искусства'. Тщательно изучая рекламу, средства массовой информации, они вдохновлялись комиксами, представляли в своих работах машины, электронику, консервные банки, страницы журналов, фотографии, банковские билеты. Взятые отдельно или вмонтированные в коллажи и в ассабляжи, эти предметы словно насмехались над зрителем, сбивали его с толку порой своими чудовищными размерами, производя впечатление отстраненности, анонимности, свойственной новой городской культуре.

Самые известные представители поп-арт были Роберт Рашенберг, Джеймс Розенквист, Джаспер Джонс и Рой Лихтенштейн. Последний был ярким представителем американского поп-арта. Лихтенштейн родился в Нью-Йорке, учился в Лиге студенческого искусства в Нью-Йорке, затем в университете Огайо (1940-1943). После периода абстрактного эспрессионизма, Рой нашел тот стиль искусства, который стал характерным для его творчества в целом. В 1960 году он начал преподавать в Рутгерском университете, где попал под значительное влияние Аллана Капрова. Это способствовало увеличению его интереса к образам поп-арта. В 1961 год Лихтенштейн сделал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологии, пришедшие из промышленной печати.

Первый успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики. Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шелкографию. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма. Его работы не просто воспроизведение: ' Я делаю форму - вот что я делаю', а мощное увеличение и упрощение мотивов изображений давало эффект демистификации, которое побуждало зрителя изменить свое видение.

Но бесспорно отцом поп-арта являлся Энди Уорхол со своей шелкографией. После окончания в 1949 году художественного факультета Технологического института Карнеги, он переезжает в Нью-Йорк, где работает художником-иллюстратором в журналах Vogue, Harper's Bazaar и других менее популярных изданиях. Помимо этого занимается оформлением витрин и плакатов. Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании. В 1956 году он получает почётный приз 'Клуба художественных редакторов'. Мало, кто знает, что свою карьеру Энди Уорхол начал с того, что работал в рекламе. Он регулярно оформлял витрины, рисовал рекламные плакаты и работал над дизайном бутылок Coca-Cola. Затем Энди стал популярным рекламистом, в середине 50-х годов он зарабатывал 100 тысяч долларов в год, что по тем времена было фантастически солидным капиталам для рекламщика и художника. Уорхола стали называть гением рекламы и начали сравнивать его с другим эпатажным гением Сальвадором Дали.

В 1962 году Энди создаёт картины 'Зелёные бутылки кока-колы' и 'Банки супа „Кэмпбелл“', которые можно в какой то степени отнести к графическому дизайну.

Начиная с этого периода, Уорхол, как фотограф и художник сотрудничает со звёздами кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джимом Моррисоном и Элвисом Пресли. После ухода Монро из жизни он создает свой знаменитый 'Диптих Мэрилин', ставший аллегорией жизни и смерти актрисы.

1.6 Стиль молодых. Прет-а-порте

'Мода в 50-е повернулась к молодым, а молодость сделалась культом. Новая, живая, бесконечно изобретательная мода перестала считаться с общепринятыми стандартами и нормами. Новое поколение могло надевать что угодно и когда угодно'.

Молодежь послевоенного поколения ценила в одежде практичность и искала возможности самовыражения. В результате выросла потребность в вещах не очень дорогих, но модных. Фабрики и небольшие фирмы стали ориентироваться на молодых покупателей и перешли к массовому производству готового платья. К концу 60-х гг. больше половины всей одежды в мире было куплено людьми моложе 25 лет.

С появлением в 50-х гг. рок-н-ролла началась эпоха американского влияния. Элвис Пресли, затянутый в брюки-'дудочки', провоцирующе сексуальный, стал кумиром молодежи. Неприятие идеалов отцов соединялось у этого поколения с безудержной любовью к танцам и музыке. Остроносые черные штиблеты или замшевые туфли, узкие брюки, галстук-шнурок и набриолиненый кок сделались непременными атрибутами стилей рок-н-ролл и рокабилли. В Голливуде появился новый герой - аутсайдер, меланхоличный и сильный одновременно, которого сыграл Джеймс Дин (погибший в автокатастрофе в 1955 г. в возрасте 24-х лет). Благодаря ему и Марлону Брандо в моду вошли рубашки с высоко засученными рукавами, футболки, бывшие до этого предметом нижнего белья, и джинсы. С середины XX столетия принято отсчитывать историю 'Прет-а-порте' (pret-a-porter, фр. - промышленная мода). Термин 'прет-а-порте' ввведен впервые в употребление во Франции (1947) Альбером Ламперером после его двухлетнего изучения системы американского производства готового платья, которое в 40-е гг. составляло до 95% всей продававшейся одежды в США. В 1956 году в Версале состоялся первый Салон прет-а-порте, который продемонстрировал рождение индустрии моды, способной обслуживать тысячи людей.

1.7 Итальянское экономическое чудо

Итальянское экономическое чудо - период быстрого экономического роста в Италии между серединой 1950-х и серединой 1970-х, в ходе которого экономика страны из аграрно-индустриальной превратилась в одну из наиболее индустриализированных в мире и вошла в число мировых лидеров.

В послевоенной Европе на первый план в области дизайна выдвигается Италия, экономика которой переживает бурное развитие. Не выделявшаяся ничем особенным в области дизайна Италия становится дизайн-нацией.

С 1954 года 3 года подряд в Америке успешно проходит выставка 'Дизайн в Скандинавии': более тысячи посетителей в день открытия, американские домохозяйки не переставали удивляться, школьники прилипали носами к витринам, средства массовой информации пестрели заголовками. В популярном в Америке журнале 'Красивый дом' Элизабет Гордон скандинавское ремесленное искусство было возведено в статус 'самого красивого объекта года'. В США бытовало мнение о Швеции как об идеальной картине социалистического государства. Краткий слоган 'Скандинавский дизайн' стал мифом. Тогда Каю Франку и Арне Якобсену впервые пришла в голову идея называться 'дизайнерами' вместо бытовавших в то время понятий как 'художник-ремесленник', 'художник', 'формообразователь'.

1.8 От большой робы к джинсам. Кристиан Диор. Новый взгляд на развитие моды

40-е - 50-е годы прошлого столетия оказались переломным для модной индустрии. Позади остались Первая и Вторая мировые войны и мировой экономический кризис - события, оказавшие большое влияние на мир моды.

После этих потрясений люди нуждались в стабильности, покое и красоте, причем не простой красоте, а гипертрофированной, вносящей в жизнь элементы театральности.

С 1947 по 1957 годы Диор усердно трудился над созданием новых коллекций. За год он создавал два новых модельных ряда. Каждый наряд коллекции имел свое название и выполнялся в соответствии с заданной темой. Темы, в свою очередь, были очень разные и отражали многообразие мира, которым так дорожил дизайнер: театр, опера, литература, цветы, музеи, Париж.

Диор считал, что в моде важен не один элемент, а силуэт в целом - от шляпки до туфелек. Для завершения силуэта и создания совершенного образа он дополнил наряды соответствующими аксессуарами. Фактически, Диор стал создавать цельные образы с тщательно подобранными к каждому платью или костюму аксессуарами - головным убором, перчатками, сумочкой, обувью и, конечно же, украшениями. Его стали называть 'мягким диктатором' или 'диктатором в замшевых перчатках', ведь женщины, выбравшие его наряды, должны были носить также прилагающиеся к ним аксессуары от Dior. Как ни странно, модницы всего мира приняли правила игры 'от кутюр' и безропотно следовали строго продиктованной моде Диор, в которой каждой элемент имел свое место и значение.

В 1947 году Кристиан Диор, в то время неизвестный модельер, показывает в Париже свою коллекцию женской одежды, которая становится новым взглядом (New Look) на моду. Он вернул блеск и очарование в мир моды. Ошеломляющий успех коллекции Диора показал, что он почувствовал стремление людей к красоте при всем их бедном и скудном послевоенном достатке. В конце 40-х и в 50-е гг. люди стремились приглушить воспоминания разрушительных военных лет и вернуться к миру вещей и мелочей. Женщины, ничего не желали себе так заветно, как убежать от скудной одежды военного времени, и с воодушевлением переняли новый образ, который отличался женственными линиями, мягко закругленной талией, узкими плечами, длинными юбками и обувью на высоком каблуке. Благосостояние стало самым важным фактором, что и проявилось в моде.

Возрождение и начинающееся процветание открыто проявились в осмыслении классических форм. Снова вернулись к консервативным общим ценностям.

К середине 50-х годов Диор возглавлял уже целой империей. Одновременно с коммерческим успехом пришло и широкое общественное признание. В 1950 году он был награжден орденом Почетного Легиона.

Ежегодно кутюрье создавал более 1000 новых моделей: выполнение такого производственного плана было очень обременительным. Пожалуй, отчасти из-за этого пошатнулось здоровье Диора. К середине 50-х годов у него уже было два сердечных приступа. Великий мастер ушел из жизни в возрасте 52 лет. К тому времени Диор был в числе пяти самых известных людей мира наряду с Ганди и генералом де Голлем.

Кристиан Диор считается одним из тех, кто первыми применили метод лицензирования деятельности в области моделирования и регистрацию собственных фирменных знаков. Также мастеру-модельеру принадлежит идея внедрения высокой моды в кинематографе. Отдельно следует отметить производство парфюмерии Christian Dior. Этому направлению уделялось особое внимание в деятельности художника и модельера. В результате на сегодняшний день парфюмерная продукция под торговой маркой Christian Dior является одной из тех, которые пользуются высоким спросом на рынке. В лабораториях компании было разработано немалое количество уникальных ароматов, которые и сегодня остаются актуальными на рынке парфюмерии.

2. Дизайн 60-х

Гонка за овладение мировым пространством в середине 60-х гг. охватила всеобщее сознание людей, моду, стиль, дизайн. Представление, что покорение мира человечеству по плечу, усилило общий оптимизм и глубокое уважение перед Вселенной.

Стартовый выстрел к покорению мирового пространства прогремел в 1957 году, когда советский космический спутник покинул Землю. Тремя годами спустя состоялся первый в мире полет человека в космос. Им был гражданин СССР Юрий Гагарин. Американский президент Кеннеди принял вызов, пообещав в 1962-м году, что до конца десятилетия человек высадится на Луну. 'Стилистические намеки' на космические полеты вскоре стали неотъемлемой частью моды и предметного формообразования.

2.1 Дизайн 60-х в СССР

В условиях послевоенного возрождения промышленности и восстановления разрушенных городов потребовались дизайнеры

стилисты и художники-оформители. Для подготовки таких специалистов в 1945 году были воссозданы Строгановское училище в Москве и вслед за ним в 1948 году было открыто Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им. Мухиной. В послевоенные годы в СССР были созданы первые дизайнерские бюро широкого профиля. Одним из них стало Архитектурно-художественное бюро под руководством Юрия Соловьева. Среди крупных разработок этого бюро в 50-е годы - проект троллейбуса, интерьеры и общий вид прогулочного речного теплохода, оборудование кают атомного ледокола 'Ленин', проекты трансформирующейся мебели. Одним из первых был проект модернизации пассажирского вагона (1945), в котором впервые был применен принцип наглядного сравнения.

В 1946 году на Горьковском автозаводе начал выходить легковой автомобиль 'М-20 'Победа', его автором был молодой талантливый дизайнер В. Самойлов. Автомобиль, имевший совершенно новые принципы компоновки: обтекаемая форма, гладкие боковины, отсутствие крыльев и подножек, цельный единый кузов, накрывающий всю машину, стал событием в мировом дизайне. Форме 'Победы' начали подражать не только в Европе (английский 'Стан-дарт-Вангард'), но и на родине автомобилестроения - в США. Однако американский покупатель, привыкший к более дробным и расчлененным формам машин, не сразу воспринял новую архитектуру кузова. По сути дела, бескрылые машины с гладкими боковинами утвердились в США на 10-12 лет позже, только к концу 50-х гг.

В 50-е годы были возрождены службы Аэрофлота и разработан ее фирменный стиль. Были построены новые аэропорты - в Москве и Ленинграде. Архитекторам и дизайнерам пришлось решать непривычные функциональные задачи - оборудование залов ожидания, устройство информационных табло, проектирование стоек для оформления билетов и сдачи багажа, разработку мобильных трапов. В эти годы на линии вышли первые реактивные и турбореактивные самолеты.

2.2 Космическая одиссея в кинематографе

Эпоха космических полетов стала объектом визуальной фантазии в вышедших в конце 60-х двух совершенно противоположных по жанру фильмах - 'Барбарелла' Роджера Вадима (Roger Vadim, 1967) и '2001: Космическая одиссея' Стенли Кубрика (1968). В эротической комедии 'Барбарелла' главную роль играет юная Джен Фонда в костюмах от Пако Рабанна. Она жила в мире фантазий, полном чувственных, осязаемых поверхностей из синтетического материала и меха.

Непонятный фильм '2001: Космическая одиссея' вызывает скорее философские размышления, но представляет собой, тем не менее, грандиозную усладу для глаз. Во всех сценах фильма космическая станция - белое помещение, оборудованное плавной округлой мебелью по эскизам Оливера Морга (Oliver Mourgue). В стилизованном космическом корабле, в психоделических ландшафтных картинах оживали представления о Вселенной, о космическом полете с точки зрения поздних 60-х гг.

Научно-фантастический фильм о первой земной экспедиции на Марс - неудавшейся, с вынужденной посадкой на астероиде. Самое лучшее в фильме - это бесподобные космические пейзажи и впечатляющие панорамы освоенного человеком околоземного пространства (в частности, орбитальная станция, сильно смахивающая на ту, что позднее изобразил Кубрик в 'Космической одиссее 2001'), которые придумал главный художник-фантаст тех лет Юрий Швец. Понравился фильм и американцам, да так, что Ф.Ф. Коппола и Роджер Корман попросту перемонтировали (читай: передрали) советский фильм и выпустили в 1963 году под названием 'Битва за пределами Солнца'. Помимо того, что американская переделка полностью повторяла сюжет 'Небо зовет', в отдельных фрагментах они беззастенчиво использовали еще и нарезки из советской картины.

2.3 Предметная среда эпохи космических полетов

Цвета белый и серебряный доминировали в дизайне эпохи космических полетов. К выдающимся примерам дизайна мебели и предметов, которые сделаны в этом стиле, относятся кресло 'Globe' (шар) Ээро Арнио (1965) и шарообразные радио и телевизоры, которые выпускались разными производителями. Венскому художнику Вальтеру Пихлеру (Walter Pichler) удался образец в космическом стиле - кресло 'Galaxy I', в котором он адаптировал форму кресла Ле Корбюзье 'Grand Confort' (1928), оснастив его новым несущим каркасом из перфорированного алюминия. Известный художник поп-арта Энди Уорхил также поддался вдохновению модного вкуса эпохи космических полетов, обив внутренние помещения своей мастерской материалами серебряного цвета и поставил в 1966 году прямоугольные баллоны, наполненные гелием, из серебряной пластиковой пленки.

В 1969 году американский астронавт Нил Армстронг первым вступил на Луну. Тщеславная мечта исполнилась и уже потеряла свой блеск. Холодная война сменилась открытой войной во Вьетнаме, чрезмерный оптимизм, который наложил свой отпечаток на начало и середину 60-х, как и на начало NASA-проектов, исчез. Программа космических полетов влияла как могущественный новатор на технологические исследования. Принимающие участие в программе индустрии в ходе исследований создавали многочисленные побочные продукты, которые позже использовались в 'гражданской' промышленности. К таким продуктам относятся жаростойкие сплавы, миниатюрные электронные схемы и высокоразвитые компьютерные технологии. Исследования в авиационной промышленности дали основу созданной компьютером 'виртуальной реальности'.

2.4 Футуристическая мода 60-х

В середине 60-х годов коллекция французского кутюрье Андре Куррежа (Andre Courreges, 1923), вышедшая в начале 1965 года, в корне изменяет моду. Коротко подстриженные модели, одетые в белое или черно-белое, в узких прямых брюках, коротких юбках и коротких белых сапогах, белых очках с прорезью для глаз, произвели сенсацию. Это была мода для молодежи, которая должна была сознательно выделиться из общепринятой моды. Она была составной частью нового красивого мира, в котором фантазии будущего с помощью технического прогресса переносятся в реальность. Андре считал, что в будущем все будут одеваться подобным образом - в платья обтекаемых форм, носить плоскую обувь или комбинезоны астронавтов. Возник футуристический стиль в моде.

За успехом Куррежа годом спустя следовал триумф испанского законодателя мод Пако Рабанна, который в 1966 году стал известным благодаря личной интерпретации моды для молодых эмансипированных амазонок эпохи космонавтики. Его космические наряды, представленные в виде кольчуги из пластиковых пластин и пластин из легкого металла, превосходно поддержали футуристические настроения.

Одновременно известный парижский кутюрье Пьер Карден создал свой вариант космической коллекции. Его модели отличались шляпами в форме стилизованных космических шлемов или шлемоподобными кепи в сочетании с простой скромной одеждой свободного покроя. В начале 60-х появляется и первая униформа. Для многих люди будущего, одетые в одинаковую одежду, ассоциировались с серыми безликими массами в духе тоталитарных кошмаров, подробно описанных писателями-фантастами. Для других же - униформа была прекрасным футуристическим символом, чем-то из утопической мечты. Тем более, форменная одежда совершила переворот в поп-культуре, бесполая униформа представлялась очень сексуальной, а также демонстрировала равенство людей в духе 'потому что мы - банда'. К примеру, весь экипаж из культового сериала Star Trek носил униформу, отличавшуюся только по цвету, который указывал на специфическую сферу деятельности человека. Здесь выражено главное достоинство формы - она связывала людей с космосом и авиацией, в то время диктовавшими моду практически на всё. Астронавты в их одинаковых серебристых скафандрах излучали доверие. Они были новой породой людей, кем-то вроде наших собственных инопланетян. И на Земле люди хотели подражать им. К этому времени относится и появление в фотографии белого фона, на котором снимаемые модели как бы парили в невесомости. С помощью света фотографы создавали в своих студиях космическую атмосферу: светло освещенные стены создавали целостный белый фон, в ослепляющих световых камерах не было больше точек соприкосновения с фотографирующимся человеком.

2.5 Эпоха архитектурных утопий

После полных лишений послевоенных лет программы массового обеспечения жильем в целом были решены, к людям вернулось благосостояние. Доминирующий в послевоенное время интернациональный стиль породил престижную архитектуру, которая нашла свое выражение в административных зданиях концернов и учреждений. Однако планировка города означала значительно больше, чем просто проектирование отдельных башен из стекла и стали, формирующих новые административные и торговые центры.

Соответственно их видению, тысячелетиями развивающиеся города должны были измениться революционно - превратиться в грандиозные строения, соответствующие новому стилю жизни людей эпохи космических полетов.

Эпоха архитектурных утопий.

После полных лишений послевоенных лет, программы массового обеспечения жильем в целом были решены, к людям вернулось благосостояние. Доминирующий в послевоенное время интернациональный стиль породил престижную архитектуру, которая нашла свое выражение в административных зданиях концернов и учреждений. Однако, планировка города означала значительно больше, чем просто проектирование отдельных башен из стекла и стали, формирующих новые административные и торговые центры. В 60-е гг. архитекторы снова вернулись к планировке городов. При этом они стремились провести в жизнь утопичные идеалы своей эпохи.

Соответственно их видению, тысячелетиями развивающиеся города должны были измениться революционно - превратиться в грандиозные строения, соответствующие новому стилю жизни людей эпохи космических поле' Теоретические основы для таких городов были разработаны еще в 20 - 30-е годы Ле Корбюзье. Если бы Ле Корбюзье имел возможность, он бы уже тогда сравнял с землей переулки и улицы наших старых городов, созданных для пешеходов и лошадей. На их месте он и его ученики построили бы похожие на парки образования, с протянутыми сквозь них транспортными просеками, и с расположенными в строгом геометрическом порядке колоссальными сооружениями жилых, производственных, административных и торговых центров. В начале 60-х годов, с завершением строительства новой столицы Бразилии, эти утопические идеи стали реальностью. Спроектированная группой архитекторов под руководством Лусиа Коста (Lucia Costa) и Оскара Немейера (Oscar Niemeyer) Бразилия с ее скандальными силуэтами и эффектными перспективами стала одним из материализованных памятников утопических идей 60-х.

Теоретические взгляды Ле Корбюзье на градостроительство пользовались в 60-е гг. большой популярностью, оправдывая снос старой застройки и радикальную реконструкцию густонаселенных исторических центров, появление здесь безликих торговых центров с высотными зданиями. Но уже скоро градостроительная мечта о свете, пространстве и новом общественном порядке приобрела дурную славу перед лицом действительности мрачных жилых модулей и безликих, продуваемых площадей.

В 60-е гг. появилось много футуристических предложений о новых формах расселения. Их авторы, вдохновленные научно-техническими достижениями человечества, предлагали города над землей, на водных поверхностях и даже в морских глубинах, а также города мобильные, перемещающиеся в пространстве.

Промышленные выставки XIX в. В период перехода от мануфактурного производства машинному, расширения торговли и образования общенациональных рынков начинает возрастать роль выставок. С 60-х годов XVIII века проходят общенациональные выставки торгово-промышленного характера. Первые такие выставки прошли в Лондоне (1761, 1767), Париже (1763), Дрездене (1765), Берлине (1786), Мюнхене (1788), Санкт-Петербурге (1828) и др. Вместе с чисто коммерческой направленностью такие выставки начинают служить и целям демонстрации новейших технических достижений,

2.6 Представления футуристов о будущем

Ожидалось, что компьютеры, видеотелефоны, роботы, повсеместная автоматика, летающие автомобили и другие, экономящие время изобретения создадут уникальную возможность для человечества XXI столетия - слишком много досуга.

Писатель-фантаст Артур Кларк в 1968 году писал в своём эссе, что 'наши потомки в 2001 году могут попасть в будущее смертельной скуки, где главной проблемой в жизни будет решить, какой из нескольких сотен телеканалов выбрать'.

Нарастающая угроза незанятости очень тревожила футурологов: человек должен хоть что-то делать, чтоб оставаться человеком. Лень и отсутствие амбиций будут вдвое опаснее на фоне власти машин.

2.7 'Хорошая форма'

Наряду с развитием под американским влиянием стримлайна в Германии возникают попытки возрождения существовавшего до войны функционального стиля, лидером которого был Баухауз. В Дессау, на территории бывшей ГДР, после войны возникает снова Баухауз. В 1947 году был воссоздан германский Веркбунд, а в 1951 году - в Дармштадте возвращен к жизни Совет по формообразованию, организован институт Германского министерства хозяйства, который вместе с Веркбундом и должен был способствовать развитию дизайна. Эти институты дизайна были последователями функционализма, рассматривая какие-либо другие исторические направления, включая органические формы, как чуждые немецкому дизайну. Они придерживались лозунга 'Хорошая форма': хорошим в Германии еще в эпоху Веркбунда считалось все то, что было эстетически просто и функционально, без излишней декоративности.

В 1949 году лозунг 'Хорошая форма' становится названием выставок Макса Билла в Базеле и Ульме. В 1957 году он выпускает одноименную книгу, которая должна была сделать это понятие известным в широких кругах населения. 'Хорошая форма' - это не только эстетическая, но и одновременно моральная оценка изделий, до 70-х гг. остававшаяся догмой в немецком дизайне, направляя его на простоту, предметность, дешевизну продукции. Особое влияние на немецкий дизайн 50-60-х оказала высшая школа формообразования в Ульме.

2.8 Высшая школа формообразования в Ульме

Ульмская высшая школа формообразования была специально открыта для подготовки дизайнеров. С одной стороны, она явилась продолжателем идей и практики Баухауза, с другой - образцом, по которому строились многие другие центры дизайнерского образования в мире. Основана она в 1951 году Максом Биллом, архитектором и художником, известным своими блестящими искусствоведческими статьями и педагогической деятельностью. Швейцарец по происхождению, он учился в Баухаузе, работал в мастерских Ле Корбюзье, В. Кандинского, Л. Мохой-Надя. В своих воззрениях Макс Билл придерживался концепции чистого, функционального дизайна. В 1953-55 гг. Макс Билл строит для школы специальное здание и до 1956 года является ее ректором.

Формы стали жестче, граней, предметнее, отчасти - менее оригинальными. При этом плохо 'скопированный' функционализм, который лишь намекал на прямые углы, слишком часто приводил к скучным массовым продуктам, а также нечеловечным панельным домам, которые часто становились социально проблемными точками.

Создавалась она в память о Гансе и Софии Шолль, членах группы сопротивления 'Белая роза', замученных нацистами. По замыслу Отла Айхера и Инге Шолль это должна была быть не только школа промышленного дизайна, но и школа демократии, поскольку 'в конечном итоге демократия также может рассматриваться как форма'1.

Школа базировалась на рациональных методах обучения; как и в 'Баухаузе', практиковались пропедевтические упражнения на абстрактное формообразование. Новым стало привлечение к преподаванию практикующих дизайнеров со своей тематикой и своими заданиями, в частности Дитера Рамса.

В 1955 г. Ульмская школа переехала в здание, выстроенное по проекту Билла. Место было выбрано удаленное от крупных городов для того, чтобы студенты здесь не только учились, но и жили, по типу американских кампусов, чтобы само окружение создавало атмосферу профессии. На открытии присутствовал Вальтер Гропиус, 'благословивший' возрождение 'Баухауза' и универсальный подход к проектированию, выразившийся в девизе школы - 'От ложки до города'.

Новый поворот школы связан с преподавательской деятельностью философа и теоретика дизайна Томаса Мальдонадо, графика Отла Айхера, голландского архитектора Ганса Гугелота и одного из членов группы 'Де Стиль' Вордемберга Гильдеварта. С начала 1960-х гг. не менее половины учебных часов отводилось на изучение современных тенденций и научных методов проектирования. Среди новых дисциплин были не только передовая технология, но и человековедческие науки, методология, эргономика, семиотика. Один из авангардных проектов, в котором участвовали и студенты, заключался в разработке корпоративного стиля и всего имиджа продукции компании 'Браун'. Руководили им Гугелот и Айхер. Позднее этот проект был существенно развит Рамсом. Деятельность Ульмской школы буквально входила в реальную жизнь и реальное дизайнерское проектирование.

Дипломные работы сопровождались теоретическими разработками. Среди педагогов школы были такие известные теоретики дизайна, как Ги Бонсьепе и Абрахам Моль. Дизайн как дисциплина формы еще более сблизился с наукой и технологией. Возникло то, что можно назвать ульмской моделью. Вместо талантливых одиночек, работавших над отдельными изделиями, школа ставила целью готовить специалистов, умеющих работать в коллективе, рядом с учеными, в исследовательских центрах, технических бюро и коммерческих дизайн-центрах.

Ульмская школа концентрировалась на исследовании сложных предметных комплексов и систем. Здесь создавались проекты комбинированной мебели и новых бытовых радиоприборов, отличавшихся лаконизмом, простотой форм. В 1962 г. был разработан фирменный стиль авиакомпании 'Люфтганза', сохранявшийся вплоть до конца 1980-х гг. Престиж школы рос, и многие промышленные предприятия начали обращаться к ней с заказами. Расширилась и сфера приложения дизайна: транспортные системы (оборудование для остановок городского транспорта), автомобильный транспорт, радиоэлектроника. Изделия рассматривались более как инструменты, услуги, полезные агрегаты, нежели как форма для самовыражения. Объектом проектирования становилась не вещь сама по себе, но та функция, ради которой вещь замышлялась.

Эта новая концепция дизайна была отражена и в журналах, издаваемых школой. 'Ульм разрывался между понятием 'нравственная вещь' и промышленной реальностью'1 - как точно подметил теоретик и педагог дизайна Майкл Эрлхоф. С конца 1960-х гг. собственно дизайнерские проблемы начинали отходить на второй план. Усиливалось давление со стороны враждебных школе политических сил. Она казалась слишком радикальной в социальном смысле. 5 декабря 1968 г. Ульмская школа закрылась.

Однако идеи ее живут. Выпускники школы преподают более чем в 50 учебных заведениях в Германии и за рубежом. Выпускник школы Ганс Рерихт, бывший ученик Ульма, прославился своими проектами модульной керамической посуды и табуретом на полусферической опоре, на котором можно сидеть 'стоя'. Многие дизайнерские проекты были бы невозможны. без опыта этой школы, ставшей уже легендой дизайна, а разработанные ею принципы оказались универсальными и широко применяются в промышленности. Как, например, идеи системности и функционального анализа, которые Гугелот использовал в создании знаменитого диапроектора 'Кодак' с вращающимся барабаном.

Эта новая концепция дизайна была отражена и в журналах, издаваемых школой. 'Ульм разрывался между понятием 'нравственная вещь' и промышленной реальностью'1 - как точно подметил теоретик и педагог дизайна Майкл Эрлхоф. С конца 1960-х гг. собственно дизайнерские проблемы начинали отходить на второй план. Усиливалось давление со стороны враждебных школе политических сил. Она казалась слишком радикальной в социальном смысле. 5 декабря 1968 г. Ульмская школа закрылась.

2.9 Стиль 'Браун'

Производители высококачественной радиоаппаратуры класса 'хай-фай' и предметов потребления фирмы 'Браун' в Кронберге, 'Таунус', сотрудничая с такими выдающимися представителями функционализма, как Ханс Гугелот, Х. Хирхи, Дитер Рамс, Вильгельм Вагенфельд, реализовывали ульмское понимание индустриального качества. Фирма 'Браун' стала для многих других предприятий образцом ясного функционального формообразования и образцового современного фирменного стиля. Основанная в 1921 году М. Брауном во Франкфурте на Май-не, фирма сначала занималась производством отдельных деталей для радиоиндустрии. Начиная с 1929 г., здесь производили радиоприемники, проигрыватели граммпластинок, а с 1936 г. - один из первых минирадиоприемников на батарейках. Во время второй мировой войны фирма 'Браун' выполняла военные заказы. После войны палитра выпускаемой продукции значительно расширилась. В 1954 г. ведущим дизайнером 'Брауна' был назначен Фриц Айхлер. Проанализировав ситуацию, Фриц Айхлер совместно с владельцами фирмы разрабатывают программу ее деятельности, создав при этом обобщенный образ своего потребителя. 'Мы представляем себе этих людей симпатичными, интеллигентными и естественными. Их квартиры представляют собой не сценические декорации, а убраны просто, со вкусом, практичны и уютны. Соответственно этому и должны выглядеть наши приборы. Их мы делаем не для витрин, а такими, чтобы с ними можно было долгое время жить', - такой портрет потребителя был представлен Артуром Брауном. Он уточняется через портрет изделий фирмы: 'Наши электроприборы должны быть бесшумными, тихими помощниками и слугами. Они должны незаметно исчезать, так же как хороший слуга, когда все уже сделано'.

Стиль Брауна - это отсутствие декора, ярких цветовых пятен, имитации материалов. Это скромная колористическая гамма, построенная на тонких оттенках серого цвета, сочетания черного и белого. Это создание цельного образа самыми простыми и минимальными средствами. Стиль Брауна - это 'экономный' стиль. Первоначальный успех Брауна отчасти объяснялся еще и тем, что в конце пятидесятых годов наступило пресыщение 'обтекаемым' стилем оформления вещей, массовому потребителю хотелось чего-то нового. И тут-то геометрическая простота и лаконичность изделий 'Брауна' пришлась как нельзя кстати. Новизна формы обеспечила им на некоторое время превосходную конкурентоспособность.

Товар пошел нарасхват не только у 'простого' потребителя, но у 'элитарного', которого потянуло в это время к 'упрощению' своего быта.

Как бы то ни было, но успешная деятельность двух рассмотренных нами фирм неразрывно связана с дизайном.

Заключение

Государства-победители, и в первую очередь США, захватили лидерство в экономике и стали с 50-х годов ведущей нацией дизайна. После второй мировой войны из США в Европу реимпортировалось 'современное движение' и распространялось американское понимание дизайна, как инструмента торговли. Американский образ жизни оказал влияние не только на музыку, изобразительное искусство, но и на повседневную жизнь европейцев. Американские фильмы и реклама принесли с собой в Европу новые идеалы красоты и моду. 'Кока-кола' и 'Лаки-страйт' стали символами нового жизнеощущения.

Американский дизайн 50-х - начала б0-х. В 1957 году стартует первый спутник, а в 1961 году советский космонавт Юрий Гагарин становится первым человеком, побывавшим космосе. Эти события не могли не сказаться на идеях дизайна.

Элитарный дизайн. Стайлинг. Несмотря на то, что большинство дизайнеров оставались независимыми от промышленности, обеспечивавшей их работой, в послевоенной Америке сложились две тенденции формообразования в дизайне. Одни из них сознательно культивировали элитарность, подчеркивали, что моральный долг дизайнеров - способствовать эстетическому развитию публики. Другая - наоборот, совершенствовала самые обычные вещи. Даже скромный настольный радиоприемник приобрел линии мчащегося автомобиля, обрамленного, правда, не хромированной сталью, а пластиком 'под золото'. Ультрасовременные, то есть дерзкие и даже кричащие формы, пришлись по вкусу американскому потребителю.

Новые материалы. После войны в условиях дефицита материальных ресурсов все больше внимания стали обращать на искусственные материалы. Активное использование пластмассы изменило облик многих потребительских товаров. Изначально применяемые только как заменители искусственные материалы стали выбираться целенаправленно, с выявлением их специфики и преимуществ. Плексиглас пришел на смену стеклу. Прозрачная фольга, прежде всего ПВХ, была переработана на производство водонепроницаемых резиновых сапог и зонтов. Использованный для парашютов вооруженными силами США нейлон нашел применение в чулочной индустрии. До сегодняшних дней они имеются в продаже в той же палитре цветов и отличаются особой прочностью. Одним из новшеств было применение искусственных материалов в изготовлении стульев. К пионерам в этой области относились американские дизайнеры супруги Чарльз и Рэй Имз и Ееро Сааринен. Еще во время второй мировой войны Имз работал со стеклоармированным полиэстером для производства радаров для военно-воздушного флота. Приобретенные им знания как никогда оказались кстати, и он их перенес в производство мебели. В 1941 году он создал цельно отлитую чашу для сидения, известную под названием DAR-стул. В отличие от Womb-стульев Сааринена, стул Имза не имел обивки, так что можно отчетливо видеть стеклоармированную искусственную конструкцию.

Развитие профессии 'дизайнер'. Большие заказы. В эпоху экономического бума 50-60-х годов по мере усиления деловой активности процветала и профессия дизайнера. С 1951 по 1969 год число членов Общества индустриальных дизайнеров Америки возросло с 99 человек до более шестисот. Причем если в первые послевоенные годы дизайнеры работали в основном как независимые консультанты, то к 60-м они, как правило, были уже штатными сотрудниками фирм. Существовавшее ранее определенное недоверие к дизайнерам со стороны инженеров-производственников не только развеялось, но даже в таких отраслях, как медицинское оборудование и тяжелое машиностроение, где раньше производителей мало беспокоил внешний вид выпускаемой продукции, вопросы эстетики изделий стали играть существенную роль. Опасения, что включение дизайнеров в штат компаний приведет к их изоляции от профессионального цеха и застою, не оправдались. Напротив, разнообразные профессиональные контакты и сотрудничество с независимыми дизайнерами-консультантами, приглашаемыми для разработки специальных проектов, стимулировали творчество. Независимые дизайнерские фирмы расширялись еще быстрее. Нанимая нередко больше сотни чертежников, модельщиков, инженеров, делопроизводителей, секретарш, менеджеров, специалистов по рекламе, дизайнеры занимались не только формообразованием изделий, но и дизайном их упаковки, оформлением интерьеров торговых залов, витрин и выставок, дизайном средств общественного транспорта, изготовлением фирменных знаков, логотипов, фирменных канцелярских бланков и, что особенно важно, разработкой общей концепции 'имиджа' данной корпорации.

Крупные независимые дизайнерские фирмы, имея возможность выполнять сложные комплексные разработки, способствовали развитию серьезного дизайна в различных направлениях. Широко известны экспериментальные работы Уолтера Дооруина Тига для компании 'Боинг', когда он после выявления норм физического и психологического комфорта пассажиров построил модель пассажирского салона самолета 'Боинг-707'. Составленные им нормативы до сих пор остаются неизменными в авиационной промышленности США. А Генри Дрейфус, начав широкое изучение человека и групп людей в целях оптимизации процесса труда, дал мощный толчок в развитии науки эргономики.

Среди дизайнеров-консультантов второго поколения, получивших специальное образование в области дизайна и начавших свою профессиональную деятельность после второй мировой войны, чаще других высокой оценки со стороны критиков удостаивался Элиот Нойс благодаря дизайну таких 'промышленных символов 60-х годов', как компьютеры 'IBM', пишущая машинка 'IBM Selectric', бензоколонки 'Mobil'.

Стиль молодых. Прет-а-порте. 'Мода в 50-е повернулась к молодым, а молодость сделалась культом. Новая, живая, бесконечно изобретательная мода перестала считаться с общепринятыми стандартами и нормами. Новое поколение могло надевать что угодно и когда угодно'.

Молодежь послевоенного поколения ценила в одежде практичность и искала возможности самовыражения. В результате выросла потребность в вещах не очень дорогих, но модных. Фабрики и небольшие фирмы стали ориентироваться на молодых покупателей и перешли к массовому производству готового платья. К концу 60-х гг. больше половины всей одежды в мире было куплено людьми моложе 25 лет.

С появлением в 50-х гг. рок-н-ролла началась эпоха американского влияния. Элвис Пресли, затянутый в брюки-'дудочки', провоцирующе сексуальный, стал кумиром молодежи. Неприятие идеалов отцов соединялось у этого поколения с безудержной любовью к танцам и музыке. Остроносые черные штиблеты или замшевые туфли, узкие брюки, галстук-шнурок и набриолиненый кок сделались непременными атрибутами стилей рок-н-ролл и рокабилли. В Голливуде появился новый герой - аутсайдер, меланхоличный и сильный одновременно, которого сыграл Джеймс Дин (погибший в автокатастрофе в 1955 г. в возрасте 24-х лет). Благодаря ему и Марлону Брандо в моду вошли рубашки с высоко засученными рукавами, футболки, бывшие до этого предметом нижнего белья, и джинсы. С середины XX столетия принято отсчитывать историю 'Прет-а-порте' (pret-a-porter, фр. - промышленная мода). Термин 'прет-а-порте' ввведен впервые в употребление во Франции (1947) Альбером Ламперером после его двухлетнего изучения системы американского производства готового платья, которое в 40-е гг. составляло до 95% всей продававшейся одежды в США. В 1956 году в Версале состоялся первый Салон прет-а-порте, который продемонстрировал рождение индустрии моды, способной обслуживать тысячи людей.

Итальянское экономическое чудо. В послевоенной Европе на первый план в области дизайна выдвигается Италия, экономика которой переживает бурное развитие. Не выделявшаяся ничем особенным в области дизайна Италия становится дизайн-нацией.

С 1954 года 3 года подряд в Америке успешно проходит выставка 'Дизайн в Скандинавии': более тысячи посетителей в день открытия, американские домохозяйки не переставали удивляться, школьники прилипали носами к витринам, средства массовой информации пестрели заголовками. В популярном в Америке журнале 'Красивый дом' Элизабет Гордон скандинавское ремесленное искусство было возведено в статус 'самого красивого объекта года'. В США бытовало мнение о Швеции как об идеальной картине социалистического государства. Краткий слоган 'Скандинавский дизайн' стал мифом. Тогда Каю Франку и Арне Якобсену впервые пришла в голову идея называться 'дизайнерами' вместо бытовавших в то время понятий как 'художник-ремесленник', 'художник', 'формообразователь'.

От большой робы к джинсам. Кристиан Диор. Новый взгляд на развитие моды. В 1947 году Кристиан Диор, в то время неизвестный модельер, показывает в Париже свою коллекцию женской одежды, которая становится новым взглядом (New Look) на моду. Он вернул блеск и очарование в мир моды. Ошеломляющий успех коллекции Диора показал, что он почувствовал стремление людей к красоте при всем их бедном и скудном послевоенном достатке. В конце 40-х и в 50-е гг. люди стремились приглушить воспоминания разрушительных военных лет и вернуться к миру вещей и мелочей. Женщины, ничего не желали себе так заветно, как убежать от скудной одежды военного времени, и с воодушевлением переняли новый образ, который отличался женственными линиями, мягко закругленной талией, узкими плечами, длинными юбками и обувью на высоком каблуке. Благосостояние стало самым важным фактором, что и проявилось в моде.

Возрождение и начинающееся процветание открыто проявились в осмыслении классических форм. Снова вернулись к консервативным общим ценностям.

Английский стиль - стены обычно окрашиваются в ослепительно-желтый, ярко красный или мягкий кремовый тона. Деревянные полы застилают толстыми и уютными шерстяными коврами. Непременный атрибут английской гостиной - мягкий шерстяной плед с клетчатым узором и скамеечка для ног. Жилье украшает тяжелая, но при этом изящная полированная мебель. В Англии розы цветут не только в парках, но и на гардинах, мебельной обивке. Сочетание тканей в интерьере английских гостиных кажется немного хаотичным, но при этом строгая клетка прекрасно смотрится рядом с романтичным цветным узором.

Список литературы

1. В. Аронов, 'Художник и предметное творчество' (1987)

2. Н.В. Воронов. Очерки истории отечественного дизайна

3. Вячеслав Глазычев Дизайн как он есть - М.: Европа, 2006 г.

4. Ковешникова Н.А. Дизайн: история и теория. 2007 г.

5. Лаврентьев А.Н. История дизайна. 2007 г.

6. Михайлов С.М. История дизайна. 2004

7. Михайлов С. М, Михайлова А.С. История дизайна. Краткий курс. 2004

8. Михайлова А. Кто пишет историю дизайна? 2005

9. Рунге В.Ф. История дизайна, науки и техники. 2006

10. Дизайн США. 1989. - 64 с., ил.

11. Лазарев Е. Дизайн машин. - Л.: Машиностроение, Ленинградское отделение, 1988.

ref.by 2006—2019
contextus@mail.ru