Рефераты - Афоризмы - Словари
Русские, белорусские и английские сочинения
Русские и белорусские изложения
 
У нас есть несколько работ на данную тему. Вы можете создать свою уникальную работу объединив фрагменты из уже существующих:
  1. Поп-Арт 5.5 Кб.
  2. Поп-арт 52.5 Кб.
  3. Поп-арт 26.9 Кб.
  4. История поп-арта 23.4 Кб.

Поп-арт

Работа из раздела: «Культура и искусство»

/

Автономная некоммерческая организация высшего образования

'Институт бизнеса и дизайна'

Факультет дизайна и графики

Кафедра 'Дизайн среды'

Реферат по дисциплине 'История искусств'

Поп-арт

Студентка ДС-б/14в группы

Николаева Елена Сергеевна

Руководитель:

Доцент, кандидат искусствоведения

Рымшина Татьяна Алексеевна

Москва - 2015

Содержание

Введение

1. Понятие и сущность поп-арта

2. Становление и развитие поп-арта

3. Представители поп-арта в искусстве

4. Разновидности поп-арта

Заключение

Список литературы

Список иллюстраций

Иллюстрации

Введение

В начале ХХ века классический тип мышления эпохи модерна меняется на неклассический, а в конце века - на постнеклассический. Для фиксирования ментальной специфики новой эпохи, которая кардинально отличались от предшествующей, был введен новый термин. Современное состояние науки, культуры и общества в целом в 70-е годы прошлого века было охарактеризовано Ж.-Ф. Лиотаром как 'состояние постмодерна'. Зарождение постмодерна проходило в 60-70-е гг. ХХ века, оно связано и логически вытекает из процессов эпохи модерна как реакция на кризис её идей, а также на так называемую смерть супероснований: Бога (Ницше), автора (Барт), человека (гуманитарности).

В период постмодернизма деструкция охватывает все аспекты культуры. Постмодернизм как художественная эпоха несет в себе художественную парадигму, утверждающую, что человек не выерживает давления мира и становится постчеловеком. Все художественные направления этого периода пронизаны этой парадигмой, проявляя и преломляя её через свои инвариантные концепции мира и личности. Поп-арт - демократ-приобретатель в обществе 'массового потребления'; алеаторика - человек - игрок в мире случайных ситуаций; гиперреализм - обезличенная живая система в жестоком и грубом мире; хеппенинг: своевольная, анархически 'свободная', манипулируемая личность в хаотичном мире случайных событий и др.

Поп-арт было движением 50-60-х годов, которое отражало повседневность и изображало обычные утилитарные предметы. Художники поп-арта размыли четкую границу между высоким искусством и коммерческим. Поп-арт и по сей день не теряет актуальности. Сегодня художественный мир продолжает отражать некоторые из идей и методов поп-арта как художественного направления, а также продолжают использоваться и материалы, введенные в художественный обиход художниками поп-арта.

Целью данной работы является рассмотрение одного из направлений постмодернизма - поп-арта.

В рамках поставленной цели требуется решение следующих задач:

- дать определение понятию 'поп-арт';

- охарактеризовать данное направление в искусстве;

- рассмотреть творчество некоторых представителей поп-арта в искусстве;

- рассмотреть основные разновидности (течения) поп-арта.

1. Понятие и сущность поп-арта

Поп-арт (анг. Pop Art от popular art - популярное, естественное искусство) - течение в авангардном искусстве Западной Европы и США 1950-1960-х гг., в котором изобразительное творчество подменялось композициями из реальных объектов, как правило, в неожиданных или совершенно абсурдных сочетаниях, тем самым раскрывались 'новые аспекты реальной действительности'.

Течение поп-арта развилось из дадаизма, оно символизировало 'выход' искусства в область массовой культуры, коммерческой рекламы, моды, конъюнктуры рынка и, несмотря на ироничность, стремление к экипажу, унаследованные от дадаистов, являясь не художественной, в большинстве случаев, даже не эстетической деятельностью. Основной категорией поп-арта был не образ, а 'обозначение' (лат. Designation), избавляющее автора от 'рукотворного' процесса изображения чего-либо. Этот термин ввел М. Дюшан с целью расширения понятия искусства за пределы собственного художественного рода деятельности'.

В 1952 году несколько художников, критиков и архитекторов при институте современного искусства в Лондоне создали 'Независимую группу', которая изучала современные технологии и городскую культуру. На почве исследований они пытаются сформировать новое искусство. За основу они взяли американскую культуры, которая вызывала двойственные чувства иронии и восхищения. Один из членов группы, критик Лоуренс Аллоуэй для обозначения этого стиля предложил термин 'поп-арт'.

Поп-арт - художественное удовлетворение 'тоски по предметности', порожденной долгим господством в западном искусстве абстракционизма и неабстракционизма. Некоторые исследователи даже рассматривают поп-арт как реакцию на беспредметное искусство. Эстетизация всего вещного мира становится принципом этого искусства. Поп-арт - новое фигуративное искусство. Абстракционистскому отказу от реальности поп-арт противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус.

Теоретики поп-арта утверждают, что в определенном контексте каждый предмет теряет свое первоначальное значение и становится произведением искусства. Поэтому задача художника понимается не как создание художественного предмета, а как придание обыденному предмету художественных качеств путем организации определенного контекста его восприятия. Эстетизация вещного мира становится принципом поп-арта. Художники стремятся добиться броскости, наглядности, доходчивости своих творений, используя для этого поэтику этикетки и рекламы. Поп-арт - это композиция бытовых предметов, иногда в сочетании с муляжом или скульптурой. Смятые автомобили, выцветшие фотографии, обрывки газет и афиш, наклеенные на ящики, чучело курицы под стеклянным колпаком, выкрашенный белой масляной краской рваный ботинок, электромоторы, старые шины или газовые плиты - таковы художественные экспонаты поп-арта.

У этих художественных установок есть своя эстетическая логика: предметы, в античную эпоху имевшие чисто утилитарное назначение (сосуды для хранения зерна, амфоры, сохранявшие вино), со временем обретали чисто художественный смысл и ныне стоят на стенах 'под стеклом' в лучших музеях мира.

Художники и теоретики поп-арта исходят из посылки: вовсе не следует дожидаться того часа, когда утилитарные изделия современной эпохи утратят свое практическое назначение и как античные амфоры обретут несомненную художественную ценность. Можно и в эстетической сфере 'ускорить движение истории' и современный ботинок водрузить на музейный стенд, придавая этому экспонату художественно-эстетический статус.

Поп-арт ориентирован на интуитивистские и иррационалистические принципы творчества и подходы к реальности. Об этом пишет западная критика: 'Всё лучшее, что есть в поп-арте, действует косвенно… Принцип, лежащий в основе этого искусства, состоит в том, чтобы найти средство коммуникации, подрезающее под корень всякое ясное формулирование мысли'.

Согласно оценке западных критиков и эстетиков, поп-арт - 'антиискусство' (Г. Рид), 'извращение от искусства' (Плантер), 'смесь паноптикума и свалки' (Карл Борев), 'зеркало американской действительности' (Вилли Бонд), 'отражение мечты потребителя' (Ричард Гамильтон), 'оскорбление всему, что является синонимом гармонии' (А. Боске), 'способ привлечения внимания к абстрактным свойствам банальных вещей' (Рой Лихтенштейн).

Поп-арт выдвинул концепцию личности потребителя общества 'массового потребления'. Идеальная личность поп-арта - человек-потребитель, которому эстетизированные натюрморты товарных композиций должны заменить духовную культуру. Слова, подмененные товарами, литература, вытесненная вещами, красота, замененная полезностью, жадность материального, товарного потребления, заменяющая духовные потребности, характерны для поп-арта. Это направление принципиально ориентировано на массовую, нетворческую личность, лишенную самостоятельности мышления и заимствующую 'свои' мысли из рекламы и средств массовой коммуникации, личность, манипулируемую телевидением другими СМИ. Эта личность программируется поп-артом на исполнение заданных ролей приобретателя и потребителя, покорно сносящих отчуждающее воздействие современной цивилизации. Личность поп-арта - зомби масс-культуры.

Как правило, поп-арт не касается общественной проблематики. Некоторые течения поп-арта оказали влияние на эстетику быта, другие - на искусство оформления витрин.

Свойственные поп-арту эстетизация и идеализация вещи не раз встречались в искусстве. Натюрморты 'малых голландцев' воспевали прелесть вещей, поэтизированных как творения рук человека; в этих натюрмортах воспевались продукты творческого труда. В поп-арте вещь эстетизируется как предмет 'массового протребления' в 'массовом обществе'. Возникает эстетизированный фетишизм потребления, культ вещей. В этом особенность поп-арта. Утверждая человека-приобретателя, поп-арт поэтизирует вещь, которая должна поступить в 'массовое потребление', или вещь, уже бывшую в употреблении, отслужившую, устаревшую, но все еще хранящую на себе печать использования человеком (композиции из подержанных газовых плит, шин, мебели).

Демонстрация старой, изношенной, израсходованной, поломанной вещи 'через отрицание' утверждает новую, полноценную продукцию. Так, например, на Всемирной выставке в Монреале в павильоне США можно было видеть старый облезлый автомобиль, с помощью которого 'от противного' рекламировались не только всемирно известные марки американских машин, не только комфорт и сервис, но и, в конечном счете, американский образ жизни. Это важный рекламно-эстетический прием поп-арта - показ старой, изношенной или поломанной вещи, которая 'от противного' доказывает необходимость новой, полноценной продукции.

Поп-арт - рекламная пропаганда вещи и утверждение фетишистского отношения к ней. Это достигается с помощью коллажей (например, в композициях К. Ольденбурга) или с помощью оформленного интерьера (например, лопата, висящая на цепочке, - 'Кухня' Дж. Дайна). Эстетика поп-арта - эстетика утилитаризма, часто нигилистическая, через отрицание утверждающая вещь как фетиш.

Поп-арт - внешне бунтарское искусство, выполнявшее 'охранительную' функцию адаптации человека к обществу. Целое крыло поп-арта сомкнулось с социальным нигилизмом 'новых левых'. Содержание поп-арта - всеобщее отрицание, а цель - всеобщий, коллективный экстаз, являющийся 'актом бунта против всех и всяческих форм отчуждения'. Бунт 'новых левых' был формой вживания молодой личности в западное общество. Крыло поп-арта, обслуживавшее этот бунт, всячески стремилось уйти от литературы, от слова, от эстетики - от всего, что вербально формулирует мировоззренческие ориентации личности. И в этом - внутреннее противоречие бунтарей.

Поп-арт смыкался с социальным нигилизмом 'новых левых', одушевленных пафосом всеобщего отрицания 'Новые левые' утверждали искусство, которое вызывало экстаз аудитории. Это воспринималось ими как высвобождение 'революционных потенций', как бунт против отчуждения. Для 'новых левых' поп-музыка и воздействие на массовую аудиторию стали моделью общественной функции искусства. Они отдавали предпочтение поп-музыке, поскольку она, как правило, воспринимается непосредственно, коллективно и экстатически.

2. Становление и развитие поп-арта

США больны комплексом культурной неполноценности: они ощущают, что их историко-культурный слой невелик (всего - двести-триста лет, в Европе же в десять раз больший), к тому же не цивилизация Америки, а культура Парижа диктовала художественные моды миру; как правило, новые художественные направления рождались в Европе. И вот именно Америка создает в 60-е годы новое художественное направление - поп-арт. Однако Америка ли?

Задолго до того как американские художники провозгласили создание нового направления - поп-арта, главная его идея была провозглашена и осуществлена в России. В 1919 году Давид Бурлюк с группой футуристов колесил по советским провинциальным городам, охваченной гражданской войной России. В одном провинциальном городе были объявлены выступления футуристов, сопровождаемые художественной выставкой. Из-за транспортных и общих неурядиц эпохи картины Бурлюка не прибыли вовремя и выставка срывалась. Тога, по предложению В. Шкаловского, ан выставке были развешаны экспонаты, которые сегодня мы могли бы отнести к искусству поп-арта: главным шедевром этой выставки были носки Шкловского, помещенные под стеклом в рамке.

Важными шагами становления поп-арта в США были, начавшиеся с 1962 г., выставки 'Новый реализм' в галерее Сиднея Джениса, в музеях современного искусства Гуггенхейма. В этом же году Ричард Гамильтон выставляет созданную в духе поп-арта серию идеологически ангажированных литографий и картин 'Давайте вместе исследовать звезды' на тему выдвинутой Кеннеди программы космических исследований. В центре экспозиции Гамильтон поместил рекламно-плакатно решенный фотоколлаж, изображающий Кеннеди в скафандре космонавта за штурвалом межпланетного корабля (Ил.1).

Вскоре поп-арт пересек океан и появился в Европе на Бьеннале в Касселе (1964). С 1964 г. свои поп-артовские произведения Гамильтон выставлял не только в Нью-Йорке, но и в Лондоне, Милане, Касселе, Берлине. Лондонская галерея Тейт (1970) устроила первую ретроспективную выставку творчества Гамильтона. Экспонировались 170 его произведений: от карандашных набросков (иллюстрации к роману Джеймса Джойса 'Уилисс') до двенадцати этюдов, стилизованно изображающих популярных манекенщиц средствами коллажа, эмали и косметики (цикл 'Клише мод', 1969. К наиболее известным произведениям Гамильтона относятся: 'Интерьер II' (1964 г.) (Ил. 2), 'Уитли Бэй' (1965 г.) (Ил. 3), 'Я мечтаю о белом Рождестве' (1967 г.) (Ил. 4).

Американская критика отмечала, что использование методов современной полиграфии, которые в значительной мере формируют наши представления о мире, придает творчеству Гамильтона характер навязчивых видений.

У разных художников поп-арта есть 'жанровая' специализация. Так, Д. Чемберлен питает пристрастие к смятым автомобилям. Любимый жанр К. Ольденбурга - коллаж, Дж. Дайна - бытовые интерьеры. Р. Раушенберг получил подготовку театрального художника, и проблема предметной организации пространства в его новой деятельности остались ведущей. Он компонует вещи по принципу 'художественного беспорядка'. Кроме того, Раушенберг создал 'комбинированную живопись', которую озвучивает аудиоаппаратурой. Одним из его приемов стал и фотомонтаж в сочетании с обрывками газет, картин и старыми вещами.

3. Представители поп-арта в искусстве

поп арт авангардный искусство

Наиболее известными представителями поп-арта, отражавшего прагматизм технической цивилизации стали Энди Уорхол, Джордж Сигал, Роберт Эрнест Милтон Раушенберг, Клас Ольденбург.

'Отцом поп-арта' критика США именует американского художника Энди Уорхола. Он родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США) четвёртым ребёнком в рабочей семье иммигрантов-русинов из села Микова у Стропкова на северо-востоке современной Словакии, части бывшей Австро-Венгерской империи. Отец Уорхола Андрей в поисках работы иммигрировал в Соединённые Штаты в 1914 году, мать Юлия (в девичестве Завацкая) присоединилась к нему в 1921 году. Члены глубоко религиозной семьи были прихожанами Русинской греко-католической церкви. Отец Уорхол работал в угольной шахте, не владевшая английским мать подрабатывала мытьём окон и уборкой, а также изготавливала и продавала цветы из консервных банок и гофрированной бумаги. К 1934 году Уорхолы переехали из трущоб в более комфортабельный район. Семья жила на улице Белен, 55, а затем в Доусон-Стрит, 3252 в Окленде, окрестностях Питтсбурга. В третьем классе Уорхол заболел хореей Сиденгама, также называемой 'Плясками св. Витта', которая явилась следствием перенесённой ранее скарлатины, после чего большую часть времени был прикован к постели. В классе он становится изгоем. Появилась мнительность, развилась боязнь врачей и больниц (которая не отпустит его до смерти). Во время, когда он прикован к постели, начинает увлекаться рисованием, собирать фотографии кинозвёзд и делать коллажи из газетных вырезок. Сам Уорхол позже упоминал этот период как очень важный в становлении его личности, выработавший навыки, художественный вкус и предпочтения.

Энди планировал получить художественное образование в Университете Питтсбурга, чтобы потом преподавать рисунок. Но потом планы изменились, и он поступил в Технологический институт Карнеги, рассчитывая сделать карьеру в качестве коммерческого иллюстратора. В 1949 году он получил степень бакалавра изящных искусств в области графического дизайна. Успевал в учёбе хорошо, но часто не находил общий язык с преподавателями и сокурсниками.

После окончания в 1949 году переехал в Нью-Йорк, где начал работать оформителем витрин магазинов, рисовать открытки и рекламные плакаты. Позже его принимают на работу художником-иллюстратором в журналы Vogue, Harper's Bazaar и ещё в несколько менее популярных изданий. В этот период он американизировал свою фамилию, начав писать её без последней буквы a, -- 'Уорхол' (Warhol).

Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании 'И. Миллер'. На рекламных плакатах была изображена в эксцентричной манере нарисованная чернилами обувь со специально сделанными кляксами. В середине 1950-х Уорхол проиллюстрировал самоучитель испанского языка Маргариты Мадригаль, положивший начало серии её бестселлеров-самоучителей, многократно переиздававшихся.

Его основная карьера началась в 1962 г., когда импрессарио Ирвин Блум организовал в Лос-Анджелесе его выставку. Зрители впервые увидели вместо картин многократно увеличенные изображения этикеток от консервных банок и банок с томатным супом (Ил. 5). Уорхол превратил в эстетический принцип своего творчества такие спецефические особенности рекламы, как выразительность, нарочитая крикливость, банальность, примитивизм, ориентация на среднестатистическую личность. Энди Уорхол писал, что хочет быть антигуманной машиной, отделенной от творимого ею искусства.

К этому времени Уорхол смог купить собственный дом на Манхэттене, на 33-й Восточной улице. Доходы его поднялись до отметки 100 тысяч долларов в год, и это дало ему возможность больше увлекаться любимым делом -- рисованием, и мечтать о 'высоком искусстве'.

Уорхол одним из первых применил трафаретную печать как метод для создания картин. В своих ранних шелкографиях он использовал собственные, нарисованные от руки изображения. Позже, с помощью проектора, он транслировал на холст уже фотографии и вручную обводил изображение. Применение шелкографического метода было одним из этапов в стремлении Уорхола к массовому репродуцированию и тиражированию художественных произведений, вопреки всей критике Вальтера Беньямина, который писал о потере ауры и ценности произведения в век его технической воспроизводимости.

Способ Уорхола заключался в следующем: на рамку натягивалась нейлоновая сетка. Само изображение на сетке создавалось путём контактного засвечивания. На сетку, пропитанную фотоэмульсией, накладывался диапозитив. Всё засвечивалось, как при фотопечати. На освещённых местах сетки фотоэмульсия полимеризовалась и становилась нерастворимой пленкой. Лишнее смывалось водой. Так создавалась матрица, то есть печатная форма. Её накладывали на бумагу или ткань, и наносили краску. Краска проникала через прозрачные участки сетки и создавала изображение. Таким образом, нанося специальным резиновым валиком на деревянной ручке чёрную краску.

Для многоцветной печати требовалось количество матриц, равное количеству цветов. Одного комплекта матриц хватало на большое количество изображений. У Уорхола был своеобразный, постоянно меняющийся подход к живописи. Одним из новшеств стало применение красок кислотных оттенков. Внедрение инновационных технологий в процесс создания образов ставило искусство на коммерческую основу.

Его откровенно заимствованные и растиражированные изображения Мерлин Монро (Ил. 6), Элвиса Пресли (Ил. 7), Элизабет Тейлор (Ил. 8), Мика Джаггера (Ил. 9), Мао Цзэдуна (Ил. 10), Ричарда Никсона (Ил. 11), и Владимира Ильича Ленина ('Красный Ленин' (Ил. 12), 'Чёрный Ленин' (Ил. 13), кока-колы (Ил. 14) и американского доллара (Ил. 15) буквально встряхнули мировое искусство. После ухода Монро из жизни он создал свой знаменитый 'Диптих Мэрилин', ставший аллегорией жизни и смерти актрисы. По состоянию на 2011 год Диптих Мэрилин выставлен в филиале лондонской Галереи Тейт в Ливерпуле. 2 декабря 2004 года газета 'The Guardian' опубликовала список 500 наиболее выдающихся произведений современного искусства, где это произведение Уорхола занимает почётное третье место. Это была эпоха 60-х годов с их вулканическим всплеском молодежной энергии, жаждой обновления, активизацией массовой культуры и появления поп-арта. Именно эта Америка стала главным героем произведений Уорхола, принесших ему славу первой среди художников суперзвезды. Популярность Уорхола была невообразимой. На одной из выставок он даже выставил себя самого как свое произведение.

В 1963 году Уорхол купил здание на Манхэттене, здание получает название 'Фабрика', тут Энди ставит на поток создание произведений современного искусства. В 1964 году состоялась первая выставка арт-объектов Уорхола, не вписывающихся в рамки понятия живописи. Экспозиция заключалась в демонстрации около сотни копий упаковочной картонной тары, коробок из-под кетчупа 'Хайнц' и стирального порошка 'Brillo'. По случаю открытия выставки Уорхол устроил презентацию своей новой необычной студии, 'Фабрики', стены которой были выкрашены в серебряный цвет. В студии царила обстановка вседозволенности, проводились вечеринки. Это помещение нарушило представление о мастерской художника как об уединённом месте. 'Фабрика' и её хозяин стали часто фигурировать в репортажах светской хроники, о них стали писать в журналах и средствах массовой информации. Создаёт Уорхол и собственный проект -- журнал 'Интервью', где знаменитости брали интервью у знаменитостей.

'Фабрика' была организованным производством, которое выпускало до 80 печатных произведений в день, то есть несколько тысяч отпечатков в год. Был нанят коллектив рабочих, осуществлявших массовое производство поставленных на поток репродукций с портретами знаменитостей. Героев своих тиражируемых произведений Уорхол фотографировал у себя в мастерской, делая Полароидом серию моментальных снимков. Из множества кадров выбирался лучший, увеличивался, и методом шелкографии переносился на холст. Поверхность холста покрывалась краской либо до репродуцирования, либо Уорхол наносил масляную краску по уже репродуцированному отпечатку. Обычно делалось несколько вариантов одного произведения. Таким образом Уорхол превратил искусство в 'бизнес-арт', руководя исполнителями, которые технически воспроизводили его собственные работы.

Уорхол придерживался мнения, что знаменитости на портретах должны были выглядеть идеально и без изъянов: картина 'До и после' из цикла 'Рекламные объявления' (1960), давала анонс 'нового лица от Уорхола', якобы 'улучшенной версии тебя самого'. Он ретушировал морщины и дефекты кожи лица, убирал лишние подбородки, подрисовывал ярче глаза и губы, придавая лицам идеализированные черты. Среди клиентов Уорхола -- всё семейство иранского шаха Мохаммеда Резы Пехлеви, Мик Джаггер, Лайза Миннелли, Джон Леннон, Дайана Росс, Бриджит Бардо и многие другие знаменитости.

Энергия Уорхола проявляла себя в самых различных сферах, являя новый тип современного художника. Его бесчисленные шелкографии, его длящиеся десятками часов фильмы, его вездесущий постоянно включенный магнитофон, созданный им журнал Interview, где звезды берут интервью у звезд, его Фабрика, как он именовал свою студию, его тусовки и выкрашенные в серебряный цвет волосы - все это Уорхол-художник. Книга 'Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот)' также стоит в этом ряду. Она не похожа на привычные воспоминания и декларации художников, это скорее чисто литературное, эссеистски многосложное произведение, главы которого написаны в жанре диалога Энди (А) с неким собеседником (Б). Текст этой книги является ключевым для понимания личности и творчества Энди Уорхола. Текст о любви и славе, о времени и смерти, об искусстве и красоте и о том, как хранить деньги и как заниматься уборкой, и почему каждому нужен парикмахер, а стельки иногда оказываются важнее брильянта. Простые и сложные истины каждого дня жизни художника.

В последние годы Энди Уорхол возглавляет список самых продаваемых художников. Так, в 2013 году суммарная стоимость проданных на аукционах работ художника составила 427,1 млн долл. Наиболее высоко ценятся крупноформатные холсты 1962--1964 годов, цены на которые могут доходить до 100 млн долларов. Текущий рекорд был установлен в ноябре 2013 года -- 105,4 млн долл. за 'Серебряную автокатастрофу (двойную)' (1963) (Ил. 16).

За период с 1985 по 2010 средние аукционные цены на работы Уорхола выросли на 3400 %, что примерно вдвое превышает средний рост цен на современное искусство за тот же период.

Роберт Эрнест Милтон Раушенберг (1925-2008) - американский художник, представитель абстрактного экспрессионизма, а затем концептуального искусства и поп-арта. В своих работах тяготел к технике коллажа и редимейда. В своих работах использовал мусор и различные отбросы.

Внук немецкого иммигранта и индианки из племени чероки. Учился в Художественном институте в Канзас-Сити, затем в Академии Жюлиана в Париже и в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине, где его учителем был Джозеф Альберс. В 1949 году Раушенберг поселился в Нью-Йорке, начал работать оформителем витрин, посещал арт-школу Art Students League. С 1950 по 1953 год был женат на художнице Сьюзен Вейлль, с которой познакомился в Академии Жюлиана. С 1954 по 1961 год жил вместе со своим бойфрендом -- художником Джаспером Джонсом. Пара художников активно обменивалась идеями, участвовала в создании работ друг друга, но никогда не делала объекты с двойным авторством.

В течение 1950-х годов в работах Раушенберга постепенно возрастало количество реальных предметов - газетных фотографий, кусочков ткани, дерева, консервных банок, травы, чучел животных - до тех пор, пока не достигалось ощущение, что холст или вся композиция вот-вот прорвется в какой-то другой мир, странно искаженную реальность.

В начале 50-х годов Роберт Раушенберг прошёл через три стадии создания живописных работ:

- 'Белая живопись' -- на белом фоне изображены только черные цифры и некоторые фигуративные символы.

- 'Черная живопись' -- на полотно наклеивались обрывки скомканных газет, и все это покрывалось черной эмалью.

- 'Красная живопись' -- абстрактные живописные полотна в красных тонах частично с наклейками из газет, ржавых гвоздей, фотографий, шпагата и т. п.

Ранние работы Раушенберга были попыткой избавиться от стереотипов 'живописного метода' и возвышенных целей традиционного искусства. Например, он стер рисунок Виллема де Куннинга и выставил его под названием Стертый де Куннинг (Ил. 17), тем самым затронув вопрос о природе искусства.

В 1951 году состоялась первая персональная выставка Раушенберга в галерее Бетти Парсонс, не имевшая успеха у критиков.

С середины 50-х годов Раушенберг начинает создавать пространственные объекты, которые называет 'комбинированными картинами', они-то и становятся его ключевыми работами: 'Одалиска' (атласная подушка, чучело курицы, фотографии и репродукции; 1955--1958, Музей Людвига, Кёльн) (Ил. 18), коллаж 'Кровать' (1955, настоящая кровать Раушенберга, забрызганная краской и поставленная вертикально) (Ил. 19), коллаж 'Монограмма' (чучело ангорской козы с туловищем, продетым внутрь автомобильной шины; 1955--1959, Стокгольмский музей современного искусства) (Ил. 20-21).

В конце 50-х годов Раушенберг освоил технику фроттажа (натирания, введенную в искусство Максом Эрнстом ещё в 1925 году) для перевода журнальных или газетных фотографий на бумагу и другие поверхности. Раушенберг активно использовал её для создания графического цикла из 34 иллюстраций к 'Преисподней' Данте в стиле поп-арта (1959--1960, Нью-Йоркский музей современного искусства) (Ил. 22-24).

В 1958 была организована его персональная выставка в галерее Кастелли, благодаря которой он стал известен. Был дружен с Джоном Кейджем, Мерсом Каннингемом, Саем Твомбли и Энди Уорхолом.

В начале 60-х годов Раушенберг прекратил создавать 'комбинированные картины'. Он стал устраивать перфомансы, сотрудничать с инженерами и использовать различные печатные материалы; он стремился выразить сложность и многослойность существования современного индустриального общества. В 1962 году он освоил технику шелкографии и создал в ней ряд крупных произведений. Одна из картин этого ряда 'Путь в небо' (Skyway, 1964, Музей искусств Далласа) (Ил. 25). На ней поп-культурные символы (например, американские астронавты) соседствуют с образами Рубенса.

В 1967 году он создает ещё одну программную графическую работу -- огромную литографию с элементами шелкографии (182 x 89 см) Booster (Ил. 26). Это самая большая из созданных когда-либо литографий. В других его произведениях в подобной стилизованной и иронической манере трактуются сюжеты и формы, характерные для кубизма, фовизма, сюрреализма, абстрактного экспрессионизма и других направлений современного искусства. Лихтенштейн создавал также скульптуры, монументальные росписи и картины, столь же абстрактные, как и живопись, которую он порицал в своих работах в стиле поп-арт.

В поздние 60-е и 70-е годы Раушенберг был вовлечен в сферу перформанса, хэппенингов и других театрализованных акций. Оформлял спектакли Триши Браун.

В 1970 году Раушенберг купил дом на острове Каптива неподалеку от побережья Флориды, который превратил в свою мастерскую. В 1977 году в Музее изящных искусств в Вашингтоне открылась ретроспективная выставка художника, в которой он представил свои самые известные работы, затем последовало турне по США. В 1980-е годы были опубликованы несколько альбомов фотографий Раушенберга, которые явились логическим завершением представления автора о мире как о нелепом нагромождении образов.

Рой Лихтенштейн (1923-1997) - американский художник, представитель поп-арта. Заимствуя темы и имитируя технику коммерческой иллюстративной продукции - комиксов, киноафиш, рекламы, - Лихтенштейн сформировал иконографию американской потребительской культуры.

Лихтенштейн родился в 27 октября 1923 в Нью-Йорке в состоятельной еврейской семье. До 12 лет обучался в общеобразовательной школе, а после поступил в Манхеттенскую школу Франклина для мальчиков, в которой он и завершил свое среднее образование. Искусство не было включено в учебную программу школы; Лихтенштейн впервые стал интересоваться искусством и дизайном в качестве хобби. После окончания школы в 1940 Лихтенштейн уезжает из Нью-Йорка и поступил на факультет изобразительного искусства в университете штата Огайо. в котором преподавались курсы по искусству и давалась степень в области изобразительного искусства. Его обучение было прервано на три года, пока он служил в армии во время Второй мировой войны и после неё в 1943-1946 годах. Лихтенштейн стал выпускником университета Огайо и остался там на преподавательской должности в течение следующих десяти лет. В 1949 г. Лихтенштейн получил степень магистра изящных искусств на факультете Университета штата Огайо, и в том же году женился на Изабель Уилсон, с которой впоследствии развелся в 1965 году. В 1951 году у Лихтенштейна состоялась его первая персональная выставка в галерее 'Carlebach' в Нью-Йорке.

В том же году он переехал в Кливленд, где жил в течение последующих шести лет, иногда возвращаясь в Нью-Йорк. Он менял места работы пока не писал картины, например в отдельные период был помощником декоратора. Стиль его работ в это время менялся от кубизма до экспрессионизма

В 1960 году он начал преподавать в Рутгерском университете, где попал под значительное влияние Аллана Капроу. Это способствовало увеличению его интереса к образам прото поп-арта. В том же году Лихтенштейн познакомился с Клаасом Олденбургом, Джимом Дайном и другими нью-йоркскими авангардистами. В то время в Нью-Йорке часто устраивались 'хэппенинги'. Именно из этих полуимпровизированных-полутеатральных представлений, когда обычные предметы помещались в необычный контекст, Лихтенштейн и его коллеги развили новый, поэтизирующий повседневность стиль - поп-арт.

В 1961 год Лихтенштейн сделал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологию, пришедшую из промышленной печати.

Первый успех Лихтенштейну принесли его работы на темы комиксов и журнальной графики: картина 'Электрический шнур' (1961, принадлежит Барбаре Кастелли -- наследнице хозяина картинной галереи; на сегодняшний день эта картина оценивается в четыре миллиона долларов) (Ил. 27), картина 'Torpedo…Los!' (в 1989 была продана на аукционе Кристис за 5,5 миллионов долларов) (Ил. 28), 'In the Car' (в 2005 была продана за рекордные 16,2 миллиона долларов) (Ил. 29), картина 'Ohhh . . . Alright . . .' (1964, была продана в 2010 году на Кристис за 42,6 миллиона долларов) (Ил. 30), картина 'I Can See the Whole Room! … and There's Nobody in It!' (1961, продана на Кристис в ноябре 2011 года за 43 миллиона долларов) (Ил. 31) и картина 'Спящая девушка' (была продана аукционным домом Сотбис за 44,8 миллиона долларов, стала самой дорогой из коллекции художника) (Ил. 32).

Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её, перерисовывая растр, и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шелкографию. Большинство работ художника выполнена в технике фиксированного рисунка, которая заключается в том, что изображение масштабируется, видоизменяется растр, а полученный вариант при помощи трафаретной печати превращается в оригинальный формат. В самом изображении при этом усиливались черты иронии и сарказма.

Клас Олденбург (1929) - американский скульптор шведского происхождения, классик поп-арта. Сын шведского дипломата, Олденбург с 1936 г. жил в США. Он жил, главным образом, в Нью-Йорке и Чикаго, в 1946-1950 г.г. учился в Йельскомм университете, а затем, до 1954 г., в Институте искусств в Чикаго. В 1960-е г.г. Олденбург много выступал с разного рода хэппенингами. Позднее он стал более привержен объектному искусству. Наиболее характерный прием Олденбурга - скульптурное изображение достаточно небольшого и совершенно обыденного предмета в несоразмерно гигинтском масштабе, а зачастую также причудливо окрашенного и неожиданно расположенного в пространстве (Ил. 33). Изначально носившие провокативный характер, произведения Олженбурга сегодня прочитываются как изящная игра, легко вписывающаяся в урбанистический пейзаж, - поэтому со временем работы Олденбурга активнее задействуются в качестве визуального ршения городской среды. Так, вход в рекламное агентство 'ChiatDay' в Лос-Анжелесе выполнен Олденбургом в виде гигантского чёрного бинокля, а в Милане на площади перед железнодорожным вокзалом Кадорна в землю наполовину воткнута гигантская иголка с торчащей из неё яркой красно-жёлто-зелёной ниткой (на противоположномй стороне площади имеется другой конец нитки, с узелком) (Ил. 34). В 1989 г. Олденбургу была присуждена Премия Вольфа в области искусства, в 1995 г. - Премия Рольфа Шока, а в 2000 г. получил Начиональную медаль США в области искусств.

Джордж Сигал (1924-200) - американский художник, и скульптор, известный своими работами из гипса.

Джордж Сигал родился в семье еврейских эмигрантов из Украины Якова Сигала и Софьи Герстенфельд. В 1941 году начинает обучение в школе искусств колледжа Купер Юнион в Нью-Йорке. В 1942 году покидает школу, чтобы помогать родителям на ферме (где они разводили кур). С 1946 Сигал продолжает учёбу в Рутгерском университете.

Ранние рисунки Сигала и его полотна из 1950-х годов показывают сложный мир людей, оказавшихся в драматических жизненных ситуациях. Как скульптор, начавший работать в эпоху поп-арта, Сигал создает свои произведения из гипса и презентирует в 1959/1960 годах первую ситуативную работу Man on a bicycle (Ил. 35), изображавшую гипсовую фигуру велосипедиста на необычном фабричном велосипеде. Первые его гипсовые фигуры имели каркас из дерева или проволоки. С 1961 года он делает уже гипсовые отливки напрямую, снимая их с частей человеческого тела. В последующие годы появляются (с применениями сопровождающих обычных предметов) такие энвайронмент, как 'Синема' (1963) (Ил. 36) и 'Ресторан' (1967) (Ил. 37). В начале 1980-х годов Сегал создает скульптурные натюрморты из гипсовых фруктов. Работает также с бронзой (композиции): 'Женщина у озера' (бронза, покрытая белым лаком, 1985), 'Случайная встреча' (бронза, 1989) (Ил. 38), 'Женщина на скамейке' (бронза, покрытая белым лаком; металлическая скамья, 1989) (Ил. 39).

Работы Сигала отвечают основным принципам американского поп-арта - течения. Его вдохновляли образы повседневной жизни. Комиксы, реклама и продукты промышленного производства стали источником его образного мира. Один из основателей поп-арта - Ричард Химильтон определил его содержание следующими словами: популярный, недолговечный, дешевый, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, шутливый, шикарный и Большой Бизнес. Мгновенность сюжета подчеркивается в живописи с помощью техники, которая напоминает эффекты фотографии, в скульптуре - тщательным воссозданием мелких деталей. Воспроизводя ежедневные, рядовые, общие стороны человеческой жизни, Сигал всегда оставляет в пространстве своих произведений место для зрителя.

4. Разновидности поп-арта

Поп-арт как художественное направление имеет ряд разновидностей (течений):

- оп-арт (художественно организованные оптические эффекты, геометризованныйе комбинации линий и пятен),

- окр-арт (композиции, художественная организация окружающей зрителя среды),

- эл-арт (движущиеся с помощью электромоторов предметы и конструкции, это течение поп-арта выделилось в самостоятельное художественное направление - кинетизм).

Оптическое искусство (оп-арт) - искусство зрительных иллюзий, опирающееся на особенности визуального восприятия плоских и пространственных фигур. Оптическая иллюзия изначально присутствует в нашем зрительном восприятии: изображение существует не только на холсте, но в действительности и в глазах, и в мозге зрителя. Оптические иллюзии помогают обнаружить некоторые закономерности зрительного восприятия, поэтому им уделяли пристальное внимание психологи. При восприятии реальных объектов иллюзии возникают редко. Поэтому, чтобы выявить скрытые механизмы человеческой перцепции, необходимо было поставить глаз в необычные условия, заставить его решать нетиповые задачи. Задача оп-арта обмануть глаз, спровоцировать его на ложную реакцию, вызвать образ 'несуществующий'. Визуально противоречивая конфигурация создает неразрешимый конфликт между фактической формой и формой видимой. В оптической живописи простые однотипные элементы располагаются так, чтобы дезориентировать глаз, не допустить становления целостной структуры. К примеру, в картине Виктора Вазарели 'Тау-дзета' (1964) квадраты и ромбы непрерывно перестраиваются по схеме греческих букв, но так и не объединяются в определенную конфигурацию. В другой работе Вазарели - 'Сверхновые' (1959 - 1961) две одинаковые контрастные формы создают ощущение перемещающейся вспышки, покрывающая поверхность сетка через некоторое время отделяется и зависает, а вписанные в квадраты круги исчезают и снова появляются в различных точках. Плоскость непрерывно пульсирует, то разрешаясь в мгновенную иллюзию, то снова смыкаясь в непрерывную структуру. Название картины отсылает к представлению о взрывах космической энергии и зарождению сверхновых звезд. Непрерывно колеблющиеся поверхности 'сверхсенсорных' картин заводят восприятие в тупик, вызывают зрительных шок. В работе Бриджит Рили 'Катаракта-III', 1967 (Ил. 40) создается эффект движения волн.

Оп-арт объединил поп-арт с традициями геометрического абстракционизма. В национальном музее в Вашингтоне в 1963 г. можно было видеть огромную композицию из блестящей медной проволоки. Это произведение оп-арта изображало солнце, являвшееся фокусом медной паутины ('неба'). Композиция от малейшего движения воздуха тихо колыхалась и переливалась тысячами тончайших медных нитей.

В 1964 г. в Амстердаме в Государственном музее рядом с залами, где висят картины Рембрандта, открылась выставка поп-арта. Вот представленный там образчик окр-арта (окружающего искусства): у стены стоит трельяж, на его подзеркальнике аксессуары дамского туалета - флакон, пудра, пуховка, маникюрный набор, перед подзеркальником пуфик. Все предметы совершенно реальны, однако на пуфике сидит белая, из нетонированного гипса, фигура женщины. В руке эта гипсовая женщина держит реальную расческу, которой причесывает свои гипсовые волосы. Для этой композиции характерен эпатирующий контраст реальных предметов с гипсовой фигурой.

Другой экспонат той же выставки дает представление об эл-арте (движущемся искусстве). На постаменте посредине зала стоял сложный механизм, напоминающий увеличенное внутреннее устройство ходиков. Однако в отличие от часового механизма это сооружение из колесиков, шестеренок, винтиков и шкивов было лишено строгой логической простоты и практической целесообразности. Где-то внутри этой конструкции находился электромотор. Зритель должен был подойти к произведению и нажать на бросающуюся в глаза красную кнопку, тем самым как бы вступив в сотворчество с автором. После этого сооружение пробудилось к жизни: колесики и шестеренки начинали вращаться, движение постепенно передавалось снизу вверх, другим шестеренкам и наконец, металлическому прутику-пестику, возвышающемуся над сооружением. Пестик начинал медленно вращаться над головой зрителей, надтреснуто звеня прикрепленным к концу пестика бубенчиком. Проделав несколько кругов, пестик замирал, механизм останавливался и пребывал в неподвижности до тех пор, пока следующий зритель вновь не приводил его в движение нажатием кнопки.

Заключение

Подводя итог вышесказанному, можно сделать следующие выводы.

Поп-арт (англ. Pop Art от popular art - популярное, естественное искусство) - течение в авангардном искусстве Западной Европе и США 1950-1960-х гг., в котором изобразительное творчество подменялось композициями из реальных объектов, как правило, в неожиданных или совершенно абсурдных сочетаниях.

Термин 'поп-арт' (популярное искусство) был введен критиком Л. Элоуэем в 1965 г. Как художественное направление поп-арт закрепляет давно наметившиеся в искусстве оппозиции: массовое - народное, массовое - элитарное.

Поп-арт - художественное удовлетворение 'тоски по предметности', порожденной долгим господством в западном искусстве абстракционизма и неоабстракционизма. Некоторые исследователи даже рассматривают поп-арт как реакцию на беспредметное искусство. Эстетизация всего вещного мира становится принципом этого искусства. Поп арт - новое фигуративное искусство. Абстракционистскому отказу от реальности поп-арт противопоставил грубый мир материальных вещей, которому приписывается художественно-эстетический статус. Поп-арт выдвинул концепцию личности потребителя общества 'массового потребления'. Идеальная личность поп-арта - человек-потребитель, которому эстетизированные натюрморты товарных композиций должны заменить духовную культуру. Наиболее известными представителями поп-арта, отражавшего прагматизм технической цивилизации стали Э. Уорхол, Дж. Сигал, Р. Раушенберг, К. Ольденбург. Поп-арт как художественное направление имеет ряд разновидностей (течений): оп-арт (оптическое искусство), окр-арт (окружающее искусство), эл-арт (движущееся искусство).

Список литературы

I. Общая литература

1. Борев Ю.Б. Эстетика: учебник. - М.: высшая школа, 2002. - 511 с.

2. Бычков В.В. Эстетика: учебник/ В.В. Бычков. - М.: Гардарики. - 556 с.

3. Визуальная культура и мышление в дизайне: методические материалы / Под ред. В.Ф.Колейчук. - М.: ВНИИТЭ, 2009. - 89 с.

4. Лексикон нонклассики. Художественно-эстетическая культура XX века. / Под ред. В. В. Бычкова.-- М.: 'Российская политическая энциклопедия' (РОССПЭН), 2003. -- 607 с.

5. Маньковская Н.Б. Эстетика постмодернизма. - СПб. Алетейя, 2006. - 347 с.

6. Мириманов В.Б. Искусство и миф. Центральны образ картины мира / В.Б. Мириманов. - М.: Согласие, 2007. - 328 с.

7. Обухова А., Орлова М. Живопись без границ. От поп-арта к концептуализму. 1960-1970-е. История живописи. ХХ век. - М., Галарт, 2008. - 568 с.

8. Путеводитель по искусству. / Под ред.Яна Чилверса. - М., Радуга, 2002. - 541 с.

9. Рыков А.В. Постмодернизм как 'радикальный консерватизм': проблема художественно-теоретического консерватизма и американская теория современного искусства 1960-1990-х годов. - СПб.: Алетейя, 2007. - 399 с.

10. Рычакова Ю.В. Энциклопедия модернизма / Ю.В. Рычкова. - М.: ЭКСМО-Пресс, 2002. - 224 с.

11. Томкинс К. 'Жизнеописания художников'. -- М., V-A-C press, 2013. -- 272 с.

12. Хоннеф К. Поп-арт / Под ред. Уты Громеник. - М.: 'Арт-родник', 2005. - 364 с.

13. Эстетические проблемы дизайна: тезисы Всесоюзной конференции / под ред. Р.А. Колечко. - М.: Галарт, 2003. - 56 с.

II. Интернет-ресурсы.

1. Интернет-журнал 'Культура и искусство'. Поп-арт. http://cultandart.ru/dictionary/17-popart

2. Лекция Ирины Кулик 'Курт Швиттерс - Роберт Раушенберг. Монументализация мусора' в Музее современного искусства 'Гараж'. http://www.youtube.com/watch?v=pjFXnmISCWk&index=1&list=PLRSwFqRcpg4GogFwgpkgNlSjIf5qKa-oO

3. Официальный сайт художника Роберта Раушенберга. http://www.bobrauschenberggallery.com/

4. Самая полная русскоязычная галерея Энди Уорхола. http://sunny-art.ru/category/ehndi-uorkhol-ego-kartiny/

5. Свободная энциклопедия Википедия. Поп-арт. https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%BE%D0%BF-%D0%B0%D1%80%D1%82

6. Свободная энциклопедия Википедия. Энди Уорхол. https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A3%D0%BE%D1%80%D1%85%D0%BE%D0%BB,_%D0%AD%D0%BD%D0%B4%D0%B8

Список иллюстраций

1. Ричард Гамильтон. Давайте вместе исследовать звезды. 1962.

2. Ричард Гамильтон. Интерьер II. 1964.

3. Ричард Гамильтон. Уитли Бэй. 1965.

4. Ричард Гамильтон. Я мечтаю о белом Рождестве. 1971. Берлин, Музей современного искусства.

5. Энди Уорхол. Банка с супом 'Кэмпбэл'. 1968. Париж, Музей Арт Деко.

6. Энди Уорхол. Мэрилин Монро. 1962., Частное собрание.

7. Энди Уорхол. Элвис Пресли I & II. 1963-1964. Частное собрание.

8. Энди Уорхол. Лиз. 1965. Частное собрание.

9. Энди Уорхол. Мик Джаггер. 1975. Аахен, Новая галерея.

10. Энди Уорхол. Мао Цзэ Дун. 1973. Зальцбург, Галерея Ропак.

11. Энди Уорхол. Ричард Никсон. 1972.

12. Энди Уорхол. Красный Ленин. 1987.

13. Энди Уорхол. Черный Ленин. 1987.

14. Энди Уорхол. Зеленые бутылки кока-колы. 1962.

15. Энди Уорхол. Двести долларовых купюр. 1962.

16. Энди Уорхол. Серебряная автокатастрофа (двойная). 1963.

17. Роберт Раушенберг. Стертый Де Кунинг. 1953. Коллекция Художника.

18. Роберт Раушенберг. Одалиска. 1955--1958. Кёльн, Музей Людвига.

19. Роберт Раушенберг. Кровать. 1955. Нью-Йорк, Галерея искусств Лео Кастелли.

20-21. Роберт Раушенберг. Монограмма. 1955--1959. Стокгольм, Музей современного искусства.

22-24. Роберт Раушенберг. Иллюстрации к 'Преисподней' Данте. 1959. Нью-Йорк, Музей современного искусства.

25. Роберт Раушенберг. Путь в небо. 1964. Даллас, Музей искусств.

26. Роберт Раушенберг. Booster. 1967.

27. Рой Лихтенштейн. Электрический шнур. 1961. Нью-Йорк, Галерея искусств Лео Кастелли.

28. Рой Лихтенштейн. 'Torpedo…Los!'. 1963.

29. Рой Лихтенштейн. In the car. 1963. Кёльн, Музей Людвига.

30. Рой Лихтенштейн. 'Ohhh ... Alright ...'. 1964.

31. Рой Лихтенштейн. 'I Can See the Whole Room! … and There's Nobody in It!'. 1961.

32. Рой Лихтенштейн. Спящая девушка. 1964.

33. 'Клас Олденбург. Free Stamp. 1991. Кливленд, Уиллард Парк.

34. Клас Оленбург. Игла. 2000. Милан, Пьяццале Кадорна.

35. Джордж Сигал. Мужчина на велосипеде. 1959-1960.

36. Джорж Сигал. Синема. 1963.

37. Джордж Сигал. Ресторан. 1967.

38. Джордж Сигал. Случайная встреча. 1989.

39. Джордж Сигал. Женщина на скамейке. 1989.

40. Бриджит Рили. Катаракта-III. 1967.

Иллюстрации

1. Ричард Гамильтон. Давайте вместе исследовать звезды. 1962.

2. Ричард Гамильтон. Интерьер II. 1964.

3. Ричард Гамильтон. Уитли Бэй. 1965.

4. Ричард Гамильтон. Я мечтаю о белом Рождестве. 1971. Берлин, Музей современного искусства.

5. Энди Уорхол. Банка с супом 'Кэмпбэл'. 1968. Париж, Музей Арт Деко.

6. Энди Уорхол. Мэрилин Монро. 1962., Частное собрание.

7. Энди Уорхол. Элвис Пресли I & II. 1963-1964. Частное собрание.

8. Энди Уорхол. Лиз. 1965. Частное собрание.

9. Энди Уорхол. Мик Джаггер. 1975. Аахен, Новая галерея.

10. Энди Уорхол. Мао Цзэ Дун. 1973. Зальцбург, Галерея Ропак.

11. Энди Уорхол. Ричард Никсон. 1972.

12. Энди Уорхол. Красный Ленин. 1987.

13. Энди Уорхол. Черный Ленин. 1987.

14. Энди Уорхол. Зеленые бутылки кока-колы. 1962.

15. Энди Уорхол. Двести долларовых купюр. 1962.

16. Энди Уорхол. Серебряная автокатастрофа (двойная). 1963.

17. Роберт Раушенберг. Стертый Де Кунинг. 1953. Коллекция Художника.

18. Роберт Раушенберг. Одалиска. 1955--1958. Кёльн, Музей Людвига.

19. Роберт Раушенберг. Кровать. 1955. Нью-Йорк, Галерея искусств Лео Кастелли.

20-21. Роберт Раушенберг. Монограмма. 1955--1959. Стокгольм, Музей современного искусства.

22-24. Роберт Раушенберг. Иллюстрации к 'Преисподней' Данте. 1959. Нью-Йорк, Музей современного искусства.

25. Роберт Раушенберг. Путь в небо. 1964. Даллас, Музей искусств.

26. Роберт Раушенберг. Booster. 1967.

27. Рой Лихтенштейн. Электрический шнур. 1961. Нью-Йорк, Галерея искусств Лео Кастелли.

28. Рой Лихтенштейн. 'Torpedo…Los!'. 1963.

29. Рой Лихтенштейн. In the car. 1963. Кёльн, Музей Людвига.

30. Рой Лихтенштейн. 'Ohhh ... Alright ...'. 1964.

31. Рой Лихтенштейн. 'I Can See the Whole Room!…and There's Nobody in It!'. 1961.

32. Рой Лихтенштейн. Спящая девушка. 1964.

33. 'Клас Олденбург. Free Stamp. 1991. Кливленд, Уиллард Парк.

34. Клас Оленбург. Игла. 2000. Милан, Пьяццале Кадорна.

35. Джордж Сигал. Мужчина на велосипеде. 1959-1960.

36. Джорж Сигал. Синема. 1963.

37. Джордж Сигал. Ресторан. 1967.

38. Джордж Сигал. Случайная встреча. 1989.

39. Джордж Сигал. Женщина на скамейке. 1989.

40. Бриджит Рили. Катаракта-III. 1967.

ref.by 2006—2019
contextus@mail.ru